蒙太奇广义的来说是指剪接，以前的电影是没有剪接的一卷十分钟拍到完才换另一卷，第一个把剪接用在电影上的是《波坦金战舰》，其中婴儿车由楼梯摔下、四周人在开枪、母亲紧张失措、这些画面交互剪接产生紧张紧凑、隐喻的效果，成为电影史上空前的发明造就的经典。如果不甚了解，可参考普多夫金的“母亲”或艾森思坦“波坦金战舰”中的“奥德赛台阶”，不过基本上蒙太奇是一种导演操纵镜头的手法，也就是控制了绝对的知性思维与表现意义，观众只等著被灌输，与具有诗的表现形式的电影所呈现出来的暧昧性与开放性完全不同，后者如塔可夫斯基,、温德斯、费里尼。

事实上不应只说是剪辑的手法,因还有其他形式可造成蒙太奇的效果，简而言之即是中国文字中的“会意”字,可以*著剪辑将不同地方的人景物事前后排序,让你以为彼此有关联,例如:先拍一人在敲门,随后人进屋内,事时上屋内屋外可能在不同地方拍的。

何为"蒙太奇"段落，如先有一个镜头出现两个人面对面的画面,紧接一个镜头是其中一个人的表情特写,观众藉由这个人的表情,可以知道另一个人的动作,虽然那个人未出现于画面。蒙太奇(剪辑)是显示时空的跳接,时间是点和点的衔接,相异于镜头从A到B一条线的移动。蒙太奇所呈现的时间是导演严格摘取的一个点。此外蒙太奇强调的是一件事发展后的结果,如同一个女人在酒廊争吵,紧接一个镜头是她已死在卧室,镜头强调的是争吵后的下场,结局的考虑超过她被谋杀的过程。蒙太奇凸显事件结果所带来的惊觉，先使观众瞬间知道死的结局,再让观众看到客厅内凌乱的场面,由知倒溯缘由和场景。

举例说明

科波拉的《吸血鬼》一片中有一幕，吸血鬼的头被砍了之后飞了出去镜头跟拍到头要落下时剪接接上晚餐时一大块盘子上的肥肉，给人好像头落到盘子上变一团食物的感觉，就给人弱肉强食的隐喻。在科波拉的另一部经点作《现代启示录》，男主角要去杀马龙白兰度时，杀人和杀水牛祭典的画面不断交错剪接再一起，什么意思看了就知道。

《走出非洲》的片头,女主角回忆往事的声音配合闪现心中的丛林,(镜头不稳定)和野兽的吼声。紧接一个镜头,是一个人(后来观众知道是男主角丹尼斯)站在平原,头上是轮夕阳。观众印证后来剧情的发展,将发现这两个并置的镜头,是他们过去交往过程的缩影。丹尼斯适时出现,使一头渐渐逼近女主角的狮子惊走,他给她带来稳定力。但他英年即坠机而亡,结局如一轮落日,只是人死不可能再日出东山。以两个镜头的连接来说,简短的瞬间已是人一生的缩影。以单一镜头来说,夕阳下朦胧的身影正是丹尼斯真确的写照.对于女主角来说,丹尼斯是神秘难以理解的,心中所见的实际上只是一个朦胧的轮廓。

蒙太奇是法文montage的译音,原本是建筑学上的用语,意为装配、安装。影视理论家将其引伸到影视艺术领域,指影视作品创作过程中的剪辑组合。"蒙太奇"的含义有广狭之分。狭义的蒙太奇专指对镜头画面、声音、色彩诸元素编排组合的手段,即在后期制作中,将摄录的素材根据文学剧本和导演的总体构思精心排列,构成一部完整的影视作品。其中最基本的意义是画面的组合。电影美学家贝拉·巴拉兹谈及:蒙太奇是电影艺术家按事先构想的一定的顺序,把许多镜头联接起来,结果就使这些画格通过顺序本身而产生某种预期的效果。可见,蒙太奇不是与镜头画面同一的元素,蒙太奇是将这些元素进行组装的规则,是一种影视语言符号系统中的修辞手法。广义的蒙太奇不仅指镜头画面的组接,也指从影视剧作开始直到作品完成整个过程中艺术家的一种独特的艺术思维方式。从这个意义上讲,普多夫金的著名论断"电影艺术的基础是蒙太奇"这句话今天仍然适用,并且极有可能永远适用。

蒙太奇作为技巧和思维之存在,有着根深蒂固的人类心理学基础。

蒙太奇的视觉心理学基础人类生活在一个运动的世界里,物体通过我们的视野,视网膜上留下了一连串映像,而视网膜要求视野有变化才能正常活动。当人的眼睛盯住某个固定的物像(如墙上的某个斑点)目不转睛约五分钟左右,这一图像便会变得模糊不清。如果看一眼另外的东西,再回到原先那个图像上它又清楚了。这个实验表明:人眼具有不断追寻新的图像的生理本能。

布鲁塞指出,人的初生阶段即有了这种本能,如婴儿在能凝聚目光之前,便已经以眼追寻活动的物体。美国心理学家霍伯尔和瑞士科学家威塞尔(为1981年诺贝尔医学和生理学获奖者)的最新研究表明,人脑与眼具有探测形象运动的特殊细胞。这些细胞促使人在观察外界事物时具有一种生理需求:它不会老是停留在一处,而是不断地转移视线,不断地变幻角度去观察世界。影视是用声画记录形象和重现运动的,而蒙太奇的运用,正确地重现了我们通常观看事物时不断追寻新目标的方式,重现了我们在现实环境里随注意力的转移而依次接触视像的内心过程。

这种心理过程不独存在于影视艺术之中,也体现于其它艺术领域。当你在读一本小说时,眼睛总是不间断地从一个字挪到另一个字,从一行挪到另一行。随着小说情节的推进及读者情绪的激动,眼睛运动的速度也随之加快。当小说处于平缓抒情段落时,读者的心情显得平静安谧,运动速度也将缓慢和悠闲。这与人亲临某个事件的情形相吻合。当一个人在观察或亲历某桩非常激动人心和变动极快的活动时,他的反应节奏就会大大加速,他会迅速地变换视线的方向。相反,对于一件平常的事他会十分平静以至冷漠,他对物像的观察也就变得缓慢。这种生理现象,便产生了蒙太奇的节奏要求。

综上所述,一个沉静的观察者所获得的印象可以通过一种所谓"慢切"的电影手法来加以重现,即让每个镜头在被代替前在银幕上停留较长的时间。而一个极度兴奋的观察者所获得的印象,可以通过"快切"来加以重现,即用一系列互相接续的短镜头。影视艺术家正是利用蒙太奇实现了人类的这一心理过程。

答：独立制片 (INDEPENDENT FILMMAKING)
由未与商业片厂签约的个人发动的电影拍摄计划。

2.Cult电影是什么类型？

答：cult电影（cult film），是指某种在小圈子内被支持者喜爱及推崇的电影；一般而言，该种电影难以获得大规模的票房成功。 大多数被称为cult电影的影片，都在最初的影院放映中表现不佳，在赢得大众口碑方面铩羽而归。但在随后的影碟租借及售卖中会一扫颓气，创造与影院上映收入相比更显丰腴的进帐。在大多数的例子当中（但绝非全部），cult电影很难给普罗大众留下深刻印象，影评人也经常缺乏兴趣。然而，推崇热爱某部cult电影的一小部分观影者，往往对该片表露出一种激赏。

3.想了解美国电影的分级制度。

答：
　   美国的MPAA，它的全称为“The Motion Picture Association of America ”即“美国电影协会”，总部设在加利福利（Encino,California ）。这个组织成立于1922年，最初是作为电影工业的一个交易组织而出现的。如今它涉足的领域不仅有在影院上映的电影，还有电视、家庭摄影（home　 video）以及未来有可能会出现的其他传送系统领域。

　　MPAA在洛杉玑和华盛顿为它的成员服务。它的委员会的主要成员由也是MPAA的会员的美国最大的七家电影和电视传媒巨头的主席和总裁共同担任。他们是：

．迪斯尼公司（Walt Disney Company;）
．索尼声像（Sony Pictures Entertainment, Inc.;）
．Metro-Goldwyn-Mayer Inc.;
．派拉蒙公司（Paramount Pictures Corporation;）
．21世纪福克斯公司（Twentieth Century Fox Film Corp.）;
．环球影像（Universal Studios, Inc）
．华纳兄弟（Warner Bros. ）

MPAA制定的影视作品的分级制度如下：

．G级： （GENERAL AUDIENCES All ages admitted.）大众级，所有年龄均可观看大众级，适合所有年龄段的人观看——该级别的电影内容可以被父母接受，影片没有***、性爱场面，吸毒和暴力场面非常少。对话也是日常生活中可以经常接触到的；

．PG级：（ PARENTAL GUIDANCE SUGGESTED Some material may not be suitable for children.）普通级， 建议在父母的陪伴下观看，有些镜头可能让而用产生不适感.辅导级，一些内容可能不适合儿童观看——该级别的电影基本没有性爱、吸毒和***场面，即使有时间也很短，此外，恐怖和暴力场面不会超出适度的范围；

．PG-13级：（PARENTS STRONGLY CAUTIONED Some material may be inappropriate for children under 13. ）普通级，但不适于13岁以下儿童.特别辅导级，13岁以下儿童尤其要有父母陪同观看，一些内容对儿童很不适宜——该级别的电影没有粗野的持续暴力镜头，一般没有***镜头，有时回游吸毒镜头和脏话；

．R级：（RESTRICTED Under 17 requires accompanying parent or adult guardian.） 限制级，17岁以下必须由父母或者监护陪伴才能观看．限制级，17岁以下观众要求有父母或承认陪同观看——该级别的影片包含成人内容，里面有较多的性爱、暴力、吸毒等场面和脏话；

．NC-17级： （NO ONE 17 AND UNDER ADMITTED ）17岁或者以下不可观看 17岁以下观众禁止观看——该级别的影片被定为成人影片，未成年人坚决被禁止观看。影片中有清楚的性爱场面，大量的吸毒或暴力镜头以及脏话等。

另补充几种特殊的分级：
． NR OR U：NR是属于未经定级的电影，而U是针对1968年以前的电影定的级。
． M，X OR P：这一级中的电影基本上不适合在大院线里公映，都属于限制类的。

4.请解释电影美术与它的作用。

答： 电影美术是专门为影片造型进行设计和制作的一种美术创作。美术创作的成功与否，直接影响着影片的艺术水准。所以，电影美术师应在电影导演的总体构思下，与摄影、演员等共同合作完成影片的造型表现。设计和制作出有时代、地方特色，有生活气息、有性格特征的景、物和人，以产生情景交融的艺术效果。

5.请问IMDB是怎样评分的？

6.镜头的连接技巧都有哪些？

答：每部影片都有不同景别的几百个镜头，要把这些镜头连接起来，主要方法有以下几种：

(一)淡出、淡入：又称渐隐渐显。淡出是画面由明晰渐渐隐去，变为全黑，相当于舞台上的“幕落”；淡入是影片从全黑中渐渐显出画面来的一个镜头的开端，它的作用是分隔时间空间，表达戏剧段落，相当于“幕启”。

(二)化出、化入：即在前一个镜头渐隐的同时，后一个镜头又重叠出现，直到前一个镜头消失。这种方法常用于影片开始时的字幕介绍，或表示剧中人的回忆、想象以及时间的省略。比如从一个雪景转换为桃花盛开所表示的冬春季节，最适用于吐较缓慢或柔和的节奏。

(三)划出、划入：是以一条直线或一个圆周线，从镜头画面的一边或一部分运动到另一边或另一部分。第二个画面就跟着这条直线或圆周线出现，直到前后两个镜头交替完毕。这种方法好象翻阅画册的动作，常用于科教影片中，也可在故事片中表现字幕或人，景等物。另外，“划”的技巧中还有帘子卷起或放下那样的帘出、帘入形式和以缩小或扩大圆圈来展现画面的圈出、圈入等形式。

(四)切出、切入：它是从前一个场景的画面立即转为后一个场景的画面，中间不需要任何技巧，而采用镜头直接转换，连接紧凑，往往用在环境描绘、人物对话、行动的衔接上，在艺术表观上具有干净利落，进展迅速的特点，在艺术表现上具有干净利落、进展迅速的特点。

(五)反转、倒转：是一个画面经过180度的前后翻转换为另一个画面。这种反转画面特别适用于表现对比内容的镜头。在影片结构上，还可以用它来连接两段各不相同的“戏”。倒转画面，是将一个倒置的画面上下旋转180度变为正置的活动画面，这种方法，能够改变剧情发生的时间、地点。

7.电影起源于哪里？

答：1895年，法国卢米埃尔兄弟制造出“活动电影机”，公开放映所摄短片，电影始告正式诞生。早期电影是无声的，最初仅拍摄一些活动景象或舞台演出的片断，后逐步从通俗娱乐形成为一种独立的艺术形式。20世纪20年代开始出现有声影片，遂从纯视觉艺术发展为视听结合的综合艺术。以后又出现彩色电影、立体电影等。电影片种有故事片、新闻纪录片、科学教育片、美术片等。50年代以来，电影已成为具有广泛影响的现代艺术和社会文化现象，它由企业组织、艺术创作、制作生产、发行放映、观众消费、社会影响、教学研究等方面组成，涉及自然科学和人文科学等各个领域。

8.DVD碟片分区具体概念是什么？

答：DVD在最初的制定标准的时候就包含了区码的限制。无论是DVD电影光盘还是家庭影院中的DVD播放软件都必须内置区码限定。DVD行业将世界分为六个区，如欧美洲在一区，日本在二区，而中国大陆单独分在六区。

1区: 美国，加拿大，东太平洋岛屿区
2区: 日本，欧洲，西亚，阿拉伯半岛，南非，中东（包括埃及），格陵兰
3区: 东南亚，东亚（包括中国香港、中国台湾、韩国）
4区: 澳大利亚，新西兰，南太平洋岛屿，美国中部，墨西哥，南美， 加勒比海
5区: 东欧（前苏联），印度半岛，非洲，朝鲜，蒙古，中亚
6区: 中国大陆地区
7区: 保留
8区: 特殊的国际区域(飞机，轮船等)

　　当电影被制作成DVD的时候，会根据区码将DVD的发行范围分开，如果用户买了支持六区的DVD-ROM或者是DVD播放机，即使有一区的DVD电影光盘也无法播放，因此在选购的时候应该先确定DVD光盘节目的区码是多少，以避免不必要的麻烦。

　　一般现在市面上的DVD光盘，都是以六区的为主，但一些D版的产品中也有一些比如一区的产品。所以，对于准备购买DVD产品的朋友来说，最好应该选择全区的播放设备，这样的设备可以播放从一区到六区的电影光盘，这样你在购买DVD光盘的时候就有了更多的选择。一般来说，现在国内的DVD播放器都对自己的芯片做了一番改进，一般都支持全区播放，不过要注意的是，计算机用的DVD-ROM却并不全部支持全区播放的，有的DVD播放设备只能允许你有几次更改不同区码的机会，如NEC-8速的DVD-ROM，或者是先锋的DVD-ROM，超过了一定的次数后就固定在最后一次使用的光盘的区码上了。因此在购买的时候应该问清情况。当然，现在有不少DVD-ROM也支持全区格式了，选购的时候最好带些盘去试试。

8.什么是蒙太奇？

答：蒙太奇，是电影构成形式和构成方法的总称。 蒙太奇——是法语montage的译音，原是法语建筑学上的一个术语，意为构成和装配。后被借用过来，引申用在电影上就是剪辑和组合，表示镜头的组接。 简要地说，蒙太奇就是根据影片所要表达的内容，和观众的心理顺序，将一部影片分别拍摄成许多镜头，然后再按照原定的构思组接起来。一言以蔽之：蒙太奇就是把分切的镜头组接起来的手段。

9.什么是导演？导演的工作都是什么？    

答：导演是电影艺术创作的组织者和领导者，把电影文学剧本搬上银幕的总负责人。作为电影创作中各种艺术元素的综合者，导演组织和团结摄制组内所有的创作人员和技术人员，发挥他们的才能，使摄制组人员的创造性劳动溶为一体。导演的再创作以电影文学剧本为基础，运用蒙太奇思维进行艺术构思，编写分镜头剧本和“导演阐述”，包括对未来影片主题意念的把握，人物的描写，场面的调度，以及时空结构、声画造型和艺术样式的确定等。然后物色和确定演员，并根据总体构思，对摄影、演员、美术设计、录音、作曲等创作部门提出要求，组织主要创作人员研究有关资料，分析剧本，集中和统一创作意图，确定影片总的创作计划。导演还要按照制片部门安排的摄制计划，领导现场拍摄和各项后期工作，直到影片全部摄制完成为止。一部影片的质量，在很大程度上决定于导演的素质与修养；一部影片的风格，也往往体现了导演的艺术风格。

10.什么是长镜头？

答： 长镜头是“短镜头”的对称。指在一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头。能包容较多所需内容或成为一个蒙太奇句子（而不同于由若干短镜头切换组接而成的蒙太奇句子）。其长度并无明确的、统一的规定。一般分为固定长镜头、变焦长镜头、景深长镜头、运动长镜头四种。其中运动长镜头包括摄影机的推拉摇移升降等运动。由于长镜头能把镜头中的各种内部运动方式统一起来，因此显得自然流畅，又富有变化，为画面造成多种角度和景别，既能表现环境、突出人物，同时也能给演员的表演带来充分的自由，有助于人物情绪的连贯，使重要的戏剧动作能完整而富有层次地表现出来。长镜头的拍摄，由于不会破坏事件发生、发展中的空间与时间的连贯性，所以具有较强的时空真实感。

11.什么是电影语言？

答：电影艺术在传达和交流信息中所使用的各种特殊媒介、方式和手段的统称。即电影用以认识和反映客观世界、传递思想感情的特殊艺术语言。电影语言以现代科学技术提供的一定的物质条件为基础，它的演进与电影技术的进步有密切联系。与一般语言不同，电影语言是一种直接诉诸观众的视听感官，以直观的、具体的、鲜明的形象传达含义的艺术语言，具有强烈的艺术感染力。银幕画面是电影语言的基本元素，参与画面形象创造的表演、场景、照明、色彩、化装、服装等都在构成特殊的电影语汇方面起了重要作用。由摄影机的运动和不同镜头的组接（剪辑）所产生的蒙太奇不仅形成了银幕形象的构成法则，也完善了电影语言的独特语法修辞规律。说白、音响、音乐以其自身并以新的蒙太奇方法——“音响蒙太奇”和“声画蒙太奇”——丰富了电影语言。电影语言的章法，是影片内容的组织和构造的特殊法则，一般由若干场面和段落按照蒙太奇规则相互交织构成，按其时间空间关系安排可分为客观现实结构和主观心理结构两种类型，其结构形式可分为时空顺序、时空交错、单线结构、复线或多线对比结构、多侧面多视角立体网络式结构等。

12.大特写是怎么回事?

答：大特写又称“细部特写”。把拍摄对象的某个细部拍得占满整个画面的镜头。取景范围比特写更小，因此所表现的对象也被放得更大。这种明显的强调作用和突出作用，使大特写和特写一样，成为电影艺术独特的表现手段，具有极其鲜明、强烈的视觉效果。在一部影片中这类镜头如果太长、太多，也会减弱其独特的感染作用。

13.请解释德国表现主义并列出其特征。

答：表现主义电影是二十世纪一、二十年代在德国出现的把文学、戏剧和绘画上的表现主义原则运用于电影创作的电影流派。表现主义电影用荒诞离奇的手法，曲折而准确地反映出一次世界大战给德国人民带来的极度恐慌和惶惑的心情，银幕上呈现的是高度夸张、变形、主观化的世界。其代表作品是：罗伯特．维内的《卡里加里博士》。

德国表现主义电影是1908出现在绘画和剧场的一种风格。
绘画——籍由极度的扭曲, 不写实的图案来表达内在的情绪。
剧场——夸张的布景, 扭身歪脸的表演方式, 夸张的姿体及舞蹈。
故事——幻想或惊讶的故事。

14.什么是电影表演？

答：电影表演是由演员扮演角色，在摄影机前表演情节的艺术。电影表演与戏剧表演同属表演艺术范畴，具有共同的基本规律。电影表演继承了戏剧表演中许多适合于电影表演的原则和方法，然而，又和戏剧表演不同。戏剧演员在舞台上表演并直接与观众交流，演员的表演是观众接受的最后形象。而电影演员的表演是通过银幕间接地与观众交流，演员在摄影机前的表演并不是观众感受到的最后形象。银幕上的最后形象须经摄影艺术处理和导演运用蒙太奇手段的艺术再创造才能完成。特别是电影艺术的纪实性、综合性、时空观、蒙太奇以及电影特有的生产过程，更为电影表演带来了种种特点，既要求电影表演真切、自然、生活化，同时还要求演员具有镜头感以及对于非连续创作的适应等。

15.请简单解释一下意大利新现实主义。

答：新现实主义是西方现代电影流派之一。受19世纪末作家维尔加所编导的"真实主义"文艺运动影响，是批判现实主义在特定条件下的发展。多以真人真事为题材，描绘法西斯统治给意大利普通人民带来的灾难。表现方法上注重平凡景象细节，多用实景和非职业演员，以纪实性手法取代传统的戏剧手法。首部影片是《罗马--不设防的城市》。(1945)，代表作有《偷自行车的人》(1948)，《橄榄树下无和平》(1952)等。现该派虽然没有过去声势浩大但一直在发展变化之中，亦在当代中国的电影中也时有显示。

16.什么是独立电影？

答：“独立电影”的概念来源于上个世纪中期的Hollywood。当时的Hollywood由所谓“八大电影公司”所垄断，一部电影拍摄的运作遵循步骤严谨的“制片人制度”。这种“制片人制度”的目标完全瞄准市场，期望获得最大的利润，因此，尽管这种制度为电影事业带来的大量资金，但也限制了电影创作者的发挥空间。于是，一批电影人摆脱“八大电影公司”的控制，自筹资金，甚至自己编写剧本，自己担任导演，拍出了许多与商业电影截然不同的思想性强的电影，被人们称为“独立电影”。

      从技术角度上讲，“独立电影”是指某部电影在资金投入和制作上不隶属于任何电影集团、公司（或制片厂），主要依靠制片人或导演本身通过各种渠道融取资金，甚至包括个人出资等形式来制作影片。在国外它是对一部影片经济投入程度的标识（不过独立也可以有大制作），在国内它仅仅意味着一种简便的拍片手段。独立电影在题材、拍摄手法、表达方式上由于受到出资方的影响比较小，所以可以涉及到一些主流影片较少涉及的范围，也更能表现出电影制作者的个人特点。不过同时也是由于资金的原因，往往独立制片的场地、道具、演员、服装等等各方面都会受到影响。

爱迪生电影机 (KINETOGRAPH) ：第一部实用的电影摄影机，使用的是乔治伊士曼于1888年取得专利的一种赛璐璐片基底片。这种摄影机最大的缺点，在其庞大的体积。许多早期简单的影片，都摄制于爱迪生实验室被称为“黑囚车”（THE BLACK MARIA）的摄影棚内。

暗袋 (CHANGING BAG) ：一咱密不透光的双层黑袋，有两个袖口，手可以伸进去装卸底片。

ACE 美国电影电视剪接师协会 (AMERICAN CINEMA EDITORS) ：美国一个专业的电影电视剪接师组织，每年为评选的最佳影片剪接颁发EDDIE奖。

表演区 (ACTION FIELD) ：摄影机镜头所能摄入的区域。

表演场次 (ACTION CUTTING) ：为了便于影片的拍摄，通常将影片分成独立的场景进行拍摄，上一个场景常包括下一个场景的开头，以保持剧情的连戏。

表现主义 (EXPRESSIONSION) ：场景、剪接、灯光和服装充满奇想和扭曲，做为传达电影工作者和角色人物内感受的工具。

变形镜头 (AMAMORPHIC　LENS) ：一种可以使宽幅度的场面，被压缩入标准的画面区域的光学透镜。1927年由亨利.克瑞雄根据中国的哈哈镜而发明。二十世纪福斯公司在1953年拍摄《圣袍千秋》时，第一次使用这种镜头。

本文 (TEXT) ：电影批评用语。指可以在电影空间、时间中存在的任何表意系统。详细地研读影片本文是电影符号学的重要范畴。
 
补色镜 (CC FILTER)：COLOR COMPENSATING FILTER 的缩写，它由一系列不同颜色的镜片所组成，是冲印阶段调整整部电影统一色调的必备配件，偶尔也在拍摄时使用。

辩士 (BENSHI) ：无声电影时期，在日本电影里当场为观众讲解剧情的人。早期台湾电影院亦有此职。

编审 (STORY EDITOR) ：电影公司编剧部门的职员，职责在审阅故事大纲，并对读稿员所提供的戏剧或其它文字材料加以评估。

版权 (COPYRIGHT) ：指受法律保障之著作权益，由政府立法，行于本国。在版权法之前，作者对其创作拥有绝对的使用权和出租权。当这权益受到侵犯时，作者可以诉诸法律，要求赔偿。

编辑电影 (COMPILATION FILM) ：将大量为了其他目的拍摄的影片，即旧片的片段、家庭电影、新闻片等等，剪接在一起的电影。

编剧 (WRITER)：编剧在整个电影的制作过程中所扮演的角色，主要是为一部电影提供故事剧本或电影剧本。亦称“SCREEN WRITER”。

布景 (SCENERY)：指在摄影棚内或拍摄现场由人工布置和搭建的景物。

布局 (BLOCKING) ：电影画面构图中，对环境的布置、人物地位的调度、人物之间的关系、人物和景物的关系等的安排。

保护胶片 (ANTI-ABRASION COATION)：制片时用于保护影片的薄胶片，以防止影片被划伤或其它损坏。

百代电影公司 (PATHE)：于1896年建立的一家法国电影公司。以一只昂首高唱的公鸡为片头标识，发行将近四十七年，至今百代二字仍与定期新闻片的制作连在一起，例如华纳百代新闻片。此外，这个字也指由百代电影公司制造的摄影机牌名。

宝贝 (BABY) ：电影摄影机的昵称。

创造性空间 (CREATIVE GEOGRAPHY)：蒙太奇的一种，指摄于不同地点的镜头经剪接后，呈现空间的同一性。如：《江水东流》（1920
 
次要情节 (SUBPLOT)： 一电影故事之次要发展。它往往触及主要情节或丰富主要情节。

超现实主义电影 (SURREALIST FILM) ：现代电影的一种运动，1920年兴起法国，主要是将意象做特异、不合逻辑的安排，以表现潜意识的种种状态。

促销手段 (EXPLOITATION) ：为了提高一部影片可能获得的利润，结合广告、公共关系，以及其它形式的促销和销售技巧。例如，制造假新闻，男女主角陷入热恋、出双入对、假戏真做，或者是安排主题歌在广播电台打歌，都属于促销手段的范围。

磁性声带 (MAGNETIC SOUND TRACK)：指声音是录在底片边缘的氧化铁条状带上而得之声带，在性质上与磁性录音带相当类似，在重现声音时一般要优于光学声带。

暗箱 (CAMERA OBSCURA)：一面有小孔的密封箱，箱外景物透过小孔，在完全黑暗的箱内壁上形成颠倒且两边相反的影像。是照相机的最早形式

影发明于19世纪末。1895年12月28日法国路易·卢米埃尔兄弟在巴黎首次对观众放映，故将这一天定为世界电影诞生日。

　　电影的本性：

　　1．作为大众文艺样式的艺术观赏性；2．作为实现利润、扩大再生产手段的商品性；3．作为意识形态载体的工具性。

　　电影的两大风格类型：

　　１．纪实风格：源于路易·卢米埃尔兄弟放映的《工厂大门》《婴儿喝汤》《水浇园丁》等影片对生活的纪实。强调真实客观地反映生活的本来面目。

　　２．戏剧风格：源于美国用电影对舞台演出的纪录，注重场面繁华、情节曲折、明星效应，电影市场中主要的影片样式。

　　电影主要表现手段：

　　蒙太奇：将片断镜头加以组合，并与声音配合，创造出特殊电影时空的结构方式。英国梅里爱的发现与探索。美国格里菲斯在《一个国家的诞生》中成功的运用。苏联电影家森斯坦、普夫金等将蒙太奇上升为理论。。“库里肖夫实验”，一个毫无表情的脸与喝汤、棺村、小孩的画面连接，产生不同的效果。蒙太奇强调剪辑的作用。有多种表现手法，增强了电影的表现力。

　　长镜头：指对一个运动志面较长时间的连续不间断地表现，保持运动着画面的整体性。这是法国电影理论家巴赞反对蒙太奇造成的虚假而提出的一种电影闰美学理论。强调电影的照相本体属性，强调生活的真实性。

　　电影评论的作用：

　　１、影评是一种科学的活动，是电影艺术与观众的桥梁，是实现电影三重价值（艺术的、社会的、经济的）的重要手段。国外影评主要作用于票房价值，中国影评侧重于社会性，形成中国特有的、最广泛的群众影评浪潮，形成中国文艺评论独特景观。

　　２、影评本身是一门艺术，有利于提高人的审美能力、思辩能力、写作能力。从写作学的要求看，影评写作需要信息处理能力，也是记叙、描写、议论、抒情能力的综合运用。

　　影评写作要求

　　一、紧扣“电影”与“评论”。要抓住电影艺术的特质，评论的对象有画面感、运动感。让没有看过电影的人也能获得对影片的大致了解，认同你的观点。要展开评论，明确中心，严密地进行说理与论证，切忌“故事加感想”或有观点而无论证。

　　二、总体把握，细部突破。首先对一部影片有正确的总体评价，在此基础选择一个较小的视角深入挖掘，做到高屋建瓴，品鉴入微。避免面面俱到，人云亦云。另一方面避免一叶障目，不见树林。力求写出鞭辟入里的专论，不要写泛论、散论。

　　三、思想性与艺术性的统一。侧重于社会意义的评论要注意兼顾影片的艺术性，要用影片提供的银幕形象进行说明与论证。侧重于艺术价值的评论要把握艺术表现中体现的思想内涵。要讲究评论文章自身的艺术性。

　　四、注重思辩、讲究文采。力求有自己独到的见解，力求新颖、深刻，宁可是“深刻的片面、伟大的偏见，创造性的误解”，不要趋同，说一些人人都明白的“正确观点”。构思立意如同兵家谋略，“见日月不为明目，闻雷霆不为耳聪”，“出其不意，攻其不备”，以奇制胜。

　　根据视觉暂留原理,运用照相手段把外界事物的影象摄录在胶片上,通过放映过程在银幕上造成活动影象以表现一定内容的艺术形式.科学实验证明,人眼在某个视像消失后,仍可使该物象在视网膜上滞留0.1-0.4秒左右.我们目前看到的电影,正是根据这种"视觉暂留"理论,以每秒24格画面匀速转动,使一系列静态画面因视觉暂留作用而填没画面间的空隙,造成一种连续的视觉印象,产生逼真的动感.到了1894-1895年,法国的卢米埃尔兄弟制成能将影象放映在白色幕布上的电影机,真正的电影终于诞生了.早期电影都是黑白无声片,然而,给电影配音个添色的尝试几乎是与电影诞生的同时开始的.最先给电影配音全部采用临场人工操作的方式.1928年世界上第一部音话同步的有声电影问世,配音设备为用机械连接装置带动大型录音唱片造成音画同步效果的"维他风"系统,这种方法很快就被光学录音系统所代替.彩色电影在其原始阶段也是人工操作的,直到1935年,三色的彩色系统问世,才拍出第一部真正的彩色电影.

　电影艺术

　　综合艺术的一种.利用现代摄影技术手段,融文学、戏剧、摄影、绘画、音乐和舞蹈等多种艺术的表现方式和方法,在统一的创作意图下,把它们有机结合起来,从而形成了一种完整的综合性极强的艺术形式.蒙太奇是电影艺术所特有的重要表现手段。

　遗憾的艺术

　　电影的重要属性之一,它是一次完成的艺术,不象诗歌小说戏剧散文等文学形式,写好乃至发表或演出之后,还有修改甚至再创造的可能.电影只能将终极成果发行放映,才能被观众认识接受,才能判定优劣成败,而此时电影的制作创造已经完成定型,它已通过特殊制作手段,将一切凝固在胶片上,几乎无法修改.如要修改就得重新演出,重返外景地,重新摄制,重新洗印,而同样,再补正的过程中的效果也只能在洗印出来后通过放映才能知道.从这个意义上看,电影艺术往往与遗憾同在.故此,人们把电影称为"遗憾的艺术".

　第七艺术

　　电影艺术的同义语,语出于意大利诗人和电影先驱者乔托·卡努杜.1911年,乔托·卡努杜发表了名为<<第七艺术宣言>>的著名论著,第一次宣称电影是一种艺术;是一种综合建筑音乐绘画雕塑诗和舞蹈这六种艺术的"第七艺术".

　热媒介

　　对电影特性认识的比喻性说法．电影由于采用了＂光－－光＂反应的原理制作，从拍摄一直到放映，光亮度基本上没有损耗．可以说胶片上接受了多少，就能在银幕上释放多少，这就使画面的逼真性，清晰度达到很高的程度；能准确的还原世界．相比较另一种媒介形式－－电视的＂光－－电＂反应工作原理拍摄光信息受到损耗，画面不够清晰，逼真，需观众参与补充，电影被称为＂热媒介＂，而电视则被称为＂凉媒介＂．其理论提出者是美国大众传播学家迈克卢汉

　蒙太奇

　　来自法语，montage的音译，原义为建筑学上的构成、装配，借用到电影艺术中有组接、构成之意。在电影创作中，根据主题的需要，情节的发展，观众注意力和关心的程度，将全片所要表现的内容分解为不同的段落、场面、镜头，分别进行处理和拍摄。然后再根据原定的创作构思，运用艺术技巧，将这些镜头、场面、段落，合乎逻辑地、富于节奏地重新组合，使之通过形象间相辅相承和相反相成的关系，相互作用，产生连贯、对比、呼应、联想、悬念等效果，构成一个联绵不断的有机的艺术整体——一部完整地反映生活、表达思想、条理贯通、生动感人的影片。这种构成一部完整影片的独特的表现方法称为蒙太奇。

　什么是全景

　　摄取人物全身或场景全貌的电影画面。全景具有较为广阔的空间，可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。全景和特写相比，视距离差别悬殊。如果两者直接组接，会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃，常能收到特有的艺术效果。

　什么是中景

　　摄取人物膝盖以上部分的电影画面。视距比近景稍远，能为演员提供较大的活动空间，不仅能使观众看清人物表情，而且有利于显示人物的形体动作。由于取景范围较宽，可以在同一画面中拍摄几个人物及其活动，因此有利于交代人与人之间的关系。中景在影片中占较大比例，大部分用于需识别背景或交代出动作路线的场合。中景的运用，不但可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得有条不紊，因此常用以叙述剧情。。

　什么是近景

　　摄取人物胸部以上的电影画面。视距比特写稍远。近景中，人物上半身活动占据画面显著地位，成为主要表现对象，能使观众看清人物的面部表情，或某种形体动作。近景和特写的作用有相似之处，即视觉效果比较鲜明，有利于对人物的容貌、神态、衣着、仪表做细致的刻画。在表现人物的感情交流，揭示特定的人物关系方面，近景有其独到的艺术功能。近景有时也用于摄取景物的某一局部。有些摄取人物腰部以上的镜头，一般称为“中近景”。

　什么是白昼电影？

能在光线明亮条件下放映的电影。这种电影白天也可在露天放映。放映时须在银幕前装设暗框，以使画面具有足够的亮度与反差。白昼电影改变了电影必须在暗室放映的限制，扩大了电影的放映范围。

　什么是电影表演？

电影表演是由演员扮演角色，在摄影机前表演情节的艺术。电影表演与戏剧表演同属表演艺术范畴，具有共同的基本规律。电影表演继承了戏剧表演中许多适合于电影表演的原则和方法，然而，又和戏剧表演不同。戏剧演员在舞台上表演并直接与观众交流，演员的表演是观众接受的最后形象。而电影演员的表演是通过银幕间接地与观众交流，演员在摄影机前的表演并不是观众感受到的最后形象。银幕上的最后形象须经摄影艺术处理和导演运用蒙太奇手段的艺术再创造才能完成。特别是电影艺术的纪实性、综合性、时空观、蒙太奇以及电影特有的生产过程，更为电影表演带来了种种特点，既要求电影表演真切、自然、生活化，同时还要求演员具有镜头感以及对于非连续创作的适应等。

　什么是电影演员？

影片中角色的扮演者，银幕人物形象的直接体现者和创造者。电影演员和戏剧、曲艺等其他表演艺术的演员一样，都是以自身的形体、声音作为艺术创作、塑造人物形象的手段。电影演员依据文学剧本和分镜头剧本提供的人物形象，在导演的指导下，完成影片所要求的银幕形象的塑造。电影不同于舞台演出，电影演员不是在舞台上和直接在观众面前连续进行表演，而是在摄影棚或实景中，间接地在代表观众眼睛的摄影机镜头前，根据电影镜头的非连续性和不按时序拍摄等特殊要求进行表演，并且一经拍摄，就永远定型在胶片上。电影演员的角色创造，总是在导演设计的一个个镜头中实现。导演调动电影艺术的一切表现手段让演员在真实的环境中活动，这就要求电影演员的角色创造始终与人物活动的真实环境融为一体，其外部表现力，不应超过人们在实际生活中表现力的限度，对白的语气、声调也不宜夸张做作，而应与实际生活中的音响相协调。总之，电影演员的表演必须适应银幕的逼真性特点，力求真实、自然和生活化。

　什么是本色演员？

演员的一种类型。多扮演与演员本人的外形、气质、性格近似的角色；本色演员塑造的银幕形象比较接近于生活，表演较为真实自然，符合电影特性的要求并为观众所接受。其局限是往往只能表现单一的银幕形象，而不能通过表演去创造不同的性格。

　什么是彩色影片？

在银幕上能够还原被摄体自然色彩的影片。一般用彩色多层胶片制作。先用彩色底片拍摄成原底片，再用彩色多层正片通过底－正片工艺印制成彩色拷贝；也可用染印法工艺以黑白接受片为原材料，印制成彩色拷贝。

　什么是插曲？

为影片中某一场面、某一情节中的人物而作，并不直接概括影片主题思想或基本内容的歌曲。也有的只为表现时代气氛、地方特征等。插曲一般在影片中不反复出现。

　什么是电影摄影？

电影制作的主要工种之一。以条状感光胶片为载体，摄取景物的活动影像的过程。摄影机借助透镜组（物镜）的光学成像，并根据视觉的生理与心理特性，以24幅/秒（有声电影的标准画幅频率。早期无声电影为16幅/秒）摄取被摄对象的一系列姿态渐次变化而活动连贯的静止画面。这样拍摄到的一段段画面，即称为组接未来影片的一个个镜头。电影摄影所获得的影像，显示被摄体的形体、颜色、质感及其在时间和空间中的运动等，都与正常人肉眼观察所见相似，既具体可视，且具艺术描绘作用，给人以真实感。在电影创作中，摄影担负着运用各种技术手段，从事电影画面造型的创作任务。主要是根据影片内容及导演创作意图，精心设计与组织实施每个场景及每个镜头的光线、颜色、画面构图处理，以及摄影机在拍摄过程中的运动等，赋予影片画面造型以艺术魅力。电影摄影作为一种艺术手段，在故事片中用以表现故事情节、刻画人物、烘托环境、渲染气氛；作为一种记录手段，分别用作采访报导（新闻纪录片）和科学研究、电化教育（科学教育片、形象教学片、实验纪录片等）。电影摄影按片种的不同，分为故事片摄影、新闻纪录片摄影、科教片摄影、美术片摄影等；按影片制式的不同，分为标准银幕电影摄影、变形宽银幕电影摄影、遮幅式宽银幕电影摄影、立体电影摄影（其中包括双片制立体电影摄影与单片制立体电影摄影）、宽胶片（65/70毫米）电影摄影、环幕电影摄影等；按拍摄对象及技术方法的不同，则除一般摄影方法外，还有变速摄影（区别于２４幅／秒的正常速率的快速、高速、低速摄影）、逐格摄影、延时摄影（区别于正常的即时连续摄影）、特技摄影（即具有各种特技效果的合成摄影）、特殊摄影（包括显微摄影、放大摄影、水下摄影、空中摄影、红外线摄影、紫外线摄影）等。

　什么是长焦距镜头？

长焦距镜头指焦距长于标准尺寸的摄影物镜。在电影摄影中，选取水平视角为23－24，相应焦距约为画幅对角线长度两倍的摄影物镜作为标准镜头。35毫米电影摄影的标准镜头，其焦距相当于50毫米，凡长于50毫米者即为长焦距镜头；16毫米电影摄影的标准镜头，其焦距相当于25毫米，凡长于25毫米者即为长焦距镜头。故事片摄影，使用75毫米或１００毫米的长焦距物镜拍摄特写或大特写镜头，因摄影机远离被摄对象，可避免演员产生紧张心理，且便于照明布光。焦距特别长的摄影物镜（如400、800、1000毫米甚至更长）称为“望远镜头”，能摄取很远景物的某个细部成为特写镜头，造成远处景物被移近的银幕效果。但其所摄画面，缺乏空间感、纵深感和透视关系。在科教影片中，运用望远镜头，可在隐蔽的远处摄取野生动物，避免动物受到惊扰，从而使画面显得自然真实。

　什么是长镜头？

长镜头是“短镜头”的对称。指在一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头。能包容较多所需内容或成为一个蒙太奇句子（而不同于由若干短镜头切换组接而成的蒙太奇句子）。其长度并无明确的、统一的规定。一般分为固定长镜头、变焦长镜头、景深长镜头、运动长镜头四种。其中运动长镜头包括摄影机的推拉摇移升降等运动。由于长镜头能把镜头中的各种内部运动方式统一起来，因此显得自然流畅，又富有变化，为画面造成多种角度和景别，既能表现环境、突出人物，同时也能给演员的表演带来充分的自由，有助于人物情绪的连贯，使重要的戏剧动作能完整而富有层次地表现出来。长镜头的拍摄，由于不会破坏事件发生、发展中的空间与时间的连贯性，所以具有较强的时空真实感。

　什么是场记？

场记是影片拍摄阶段的一项工作内容，也指担任这一工作的专职人员。主要任务是将现场拍摄的每个镜头的详细情况：镜头号码、拍摄方法、镜头长度、演员的动作和对白、音响效果、布景、道具、服装、化装等各方面的细节和数据详细、精确地记入场记单。由于一部影片是分割成若干场景和数百个镜头进行拍摄的，拍摄时不能按镜头顺序进行，因此，场记所作的记录有助于影片各镜头之间的衔接，为导演的继续拍摄以及补拍、剪辑、配音、洗印提供准确的数据和资料。影片完成后，这些记录还可供制作完成台本之用。

　什么是出画入画？

出画入画是电影艺术处理镜头结构的一种手法。镜头画面中的中心人物或运动物体离开画面，称为出画；人物或运动物体进入画面，称为入画。当一个动作贯串在两个以上的镜头中时，为了使动作流程继续下去而不使观众感到混乱，相连镜头间的人物或运动物体的出画和入画方向应当基本上一致，否则必须插入中性镜头作为过渡。

　什么是传记片？

传记片是以历史上杰出人物的生平业绩为题材的影片。主要情节受历史人物本身事迹的制约，不能凭空虚构，但允许在真实材料的基础上作合情合理的添加和润色。优秀的传记片具有史学和文学价值，如中国影片《林则徐》、《聂耳》、《董存瑞》和《孙中山》等。

　什么是大特写？

大特写又称“细部特写”。把拍摄对象的某个细部拍得占满整个画面的镜头。取景范围比特写更小，因此所表现的对象也被放得更大。这种明显的强调作用和突出作用，使大特写和特写一样，成为电影艺术独特的表现手段，具有极其鲜明、强烈的视觉效果。在一部影片中这类镜头如果太长、太多，也会减弱其独特的感染作用。

　什么是淡入淡出？

淡入淡出也称“渐显渐隐”。电影中表现时间、空间转换的技巧之一。后一个画面逐渐显现，最后完全清晰，这个镜头的开端称“淡入”，表示一个段落的开始；前一个画面渐渐隐去直至完全消失，称“淡出”，表示一个段落的结束。淡入、淡出节奏舒缓，具有抒情意味，并能给观众以视觉上的间歇，产生一种完整的段落感。随着电影节奏的加快，今已较少采用。

　什么是导演？导演的工作都是什么？

导演是电影艺术创作的组织者和领导者，把电影文学剧本搬上银幕的总负责人。作为电影创作中各种艺术元素的综合者，导演组织和团结摄制组内所有的创作人员和技术人员，发挥他们的才能，使摄制组人员的创造性劳动溶为一体。导演的再创作以电影文学剧本为基础，运用蒙太奇思维进行艺术构思，编写分镜头剧本和“导演阐述”，包括对未来影片主题意念的把握，人物的描写，场面的调度，以及时空结构、声画造型和艺术样式的确定等。然后物色和确定演员，并根据总体构思，对摄影、演员、美术设计、录音、作曲等创作部门提出要求，组织主要创作人员研究有关资料，分析剧本，集中和统一创作意图，确定影片总的创作计划。导演还要按照制片部门安排的摄制计划，领导现场拍摄和各项后期工作，直到影片全部摄制完成为止。一部影片的质量，在很大程度上决定于导演的素质与修养；一部影片的风格，也往往体现了导演的艺术风格。

　什么是导演中心？

导演中心指导演在一部影片的摄制过程中所处的核心地位。导演中心为电影创作与生产的特点和规律所决定。电影是综合艺术，只有经过导演的集中和再创作，使各门艺术成为创造银幕形象的基本元素，才能充分调动各创作部门的创造性，运用各种艺术要素，拍摄出一部完整的影片。

　什么是电影歌曲？

电影歌曲指作曲家专为电影创作的歌曲。根据歌曲对影片内容概括范围的大小、和在影片艺术结构中所起的整体作用或局部作用，电影歌曲分为主题歌和插曲。由于电影的题材、体裁、风格、样式不同，电影歌曲有群众歌曲、民歌、艺术歌曲、通俗歌曲等各种风格。

　什么是电影节？电影节如何分类？

电影节是电影展映、观摩、交流活动的一种形式。多由国家、地方、社团或个人定期举办，并常同时组织评奖、学术讨论和营业交流等。具有一定的政治宣传和商业宣传作用。国际性电影节一般邀请各国电影界著名人士参加，有竞赛性和非竞赛性两种。
自1932年意大利举办威尼斯国际电影节起，至今世界上已举办各种名目的国际电影节三百余个，大致有三种类型：
（１）综合性国际电影节，规模较大，世界各地各种类型的影片一般都能参加展映或竞赛，如戛纳国际电影节、卡罗维发利国际电影节；
（２）地区性国际电影节，只限于某个地区或某些国家摄制的影片参加展映竞赛，如亚洲国际电影节；
（３）专业性国际电影节，规模较小，一般只展映某一专业题材或某一片种的影片，如上海国际动画电影节。

　什么是电影明星？

电影明星是由于在表演艺术方面取得一定成就而在观众中具有某种影响的电影演员。电影明星一词始于无声片时期，好莱坞的创始者之一阿道尔夫·楚克尔创建的“名演员公司”，选用优秀电影演员拍摄影片大获成功后，电影明星之称便开始盛行，并在世界影坛沿用至今。美国等西方国家制片人创用“电影明星”，是为了在观众中制造崇拜的偶像，从而谋取更高的票房价值。

　什么是电影文学剧？

电影文学剧是一种运用电影思维创造银幕形象的文学样式。是电影剧作者根据自己对生活的感受、认识和理解进行艺术构思，并按照电影表现手法（包括场景、环境、人物形象、行为、动作、说白、音响及其他细节）通过文字描述以表达自己对未来影片设想的作品。
电影文学剧本主要为拍摄影片而写作，因此它必然受到电影特性的制约，必须符合电影艺术的基本规律和要求；它所创造的形象虽然以文字为媒介，但必须能够通过影片的摄制，以电影的各种艺术技术手段在银幕上体现出来。它的独特的美学特征首先是由电影艺术本性所决定的，这就是：
①富于造型表现力和鲜明的动作性；
②形象的画面感和声音元素的有机结合；
③时空自由转换中体现的蒙太奇效果。同时，电影文学剧本必须具备文学价值，在人物形象的塑造、思想内容的表达以及语言文字的运用方面，可以作为独立的文学作品为读者阅读和欣赏。
电影文学剧本是影片摄制的基础，其审美价值是未来影片总的艺术价值的重要前提，是影片导演和摄制组进行再创作的依据。电影文学剧本的类别就来源而言，可分为根据生活素材直接创作的和根据其他文艺形式（小说、戏剧等）改编的；就结构形式而言，可分为戏剧式、小说式、散文式、哲理式、心理式等。

　什么是电影音乐？电影音乐如何分类？

电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。电影音乐是电影的重要有机组成部分，是音乐艺术的一种新的体裁。作为听觉艺术和时间艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象的体现，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。

音乐在电影中的美学功能大体上包括：
（１）抒情性。音乐是最长于表现情感的艺术，在电影中能够充分发挥抒发感情的功能，从而深入揭示剧中人物的内心世界。
（２）戏剧性。交响音乐的创作经验，有助于表现影片的戏剧性矛盾冲突，烘托戏剧高潮。
（３）气氛性。音乐能有У靥逑钟捌氖贝铡⒒肪称铡⒄秸铡⒖植榔铡⒚尉郴蚧镁称盏鹊取?/p>

在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。进入有声电影时期，影片中的听觉形象除音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。电影音乐的曲式，也改变为分段陈述。

音乐在电影中美学功能的发挥，必须与画面视觉形象相结合。由于影片的题材内容、体裁形式丰富多样，在音画结合上也各有特色，大体上可以归纳为两大类：（１）音画统一，包括音画同步和音画平行。音乐形象和画面形象互为补充，相得益彰。（２）音画矛盾，包括音画对比。音乐形象和画面形象各自独立发挥作用，推动戏剧性矛盾冲突的展开。

　什么是电影语言？

电影艺术在传达和交流信息中所使用的各种特殊媒介、方式和手段的统称。即电影用以认识和反映客观世界、传递思想感情的特殊艺术语言。电影语言以现代科学技术提供的一定的物质条件为基础，它的演进与电影技术的进步有密切联系。与一般语言不同，电影语言是一种直接诉诸观众的视听感官，以直观的、具体的、鲜明的形象传达含义的艺术语言，具有强烈的艺术感染力。银幕画面是电影语言的基本元素，参与画面形象创造的表演、场景、照明、色彩、化装、服装等都在构成特殊的电影语汇方面起了重要作用。由摄影机的运动和不同镜头的组接（剪辑）所产生的蒙太奇不仅形成了银幕形象的构成法则，也完善了电影语言的独特语法修辞规律。说白、音响、音乐以其自身并以新的蒙太奇方法——“音响蒙太奇”和“声画蒙太奇”——丰富了电影语言。电影语言的章法，是影片内容的组织和构造的特殊法则，一般由若干场面和段落按照蒙太奇规则相互交织构成，按其时间空间关系安排可分为客观现实结构和主观心理结构两种类型，其结构形式可分为时空顺序、时空交错、单线结构、复线或多线对比结构、多侧面多视角立体网络式结构等。

　什么是电影院线？

电影院线简称“院线”。电影放映行业一种具有垄断性的经营体制。
经营者为发展和保护其经营利益，在某些城市或地区，掌握相当数量的电影院，建立放映网络，借以垄断某国或某一电影制片公司新版影片的公映。中国最早出现的电影院线，是本世纪初至20年代中期，由西班牙电影商人雷玛斯在上海建立的，由虹口、夏令配克、维多利亚等七家电影院组成的电影院线；其后中国影戏院公司在平、津、沪等地也建成相当规模的电影院线；20年代初中国电影资本家罗明佑在华北、东北建立电影院线；30年代，天一影片公司企业家邵氏兄弟在新加坡、马来西亚等地组建南洋电影院线。现在港台等地仍有些电影发行放映商采用电影院线体制。

　什么是电影作曲？

电影音乐的创作者。作曲家为电影创作乐曲，首先研究电影文学剧本和导演的分镜头剧本，从而了解影片的主题思想、人物性格、戏剧冲突和高潮，以及时代特征、地方特征等。经与导演共同研究，确定影片的音乐段落、具体内容和关于音画结合的艺术处理，然后根据样片的画面形象和导演的艺术风格、美学趣味以及演员的表演，处理音乐与画面，音乐与语言、音响的关系。由于电影音乐必须通过录音录制在胶片上，所以作曲家熟悉录音技术、与录音师密切合作，对提高电影音乐的质量十分重要。

　什么是定格？

定格是电影镜头运用的技巧手法之一。其表现为银幕上映出的活动影像骤然停止而成为静止画面（呆照）。定格是动作的刹那间“凝结”，显示宛若雕塑的静态美，用以突出或渲染某一场面、某种神态、某个细节等。具体制作方法是，选取所摄镜头中的某一格画面，通过印片机重复印片，使这一停止画面延伸到所需长度。根据镜头剪辑的需要，定格处理可由动（活动画面）到静（定格画面），也可由静（定格画面）到动（活动画面）；也有的在影片结尾时，用定格表明故事结束，或借此点题，以便给观众留有回味。

　什么是动画片？

动画片是用图画表现电影艺术形象的一种美术影片。曾沿称“卡通片”。摄制时采用逐格摄影的方法，将人工绘制的许多张有连贯性动作的画面，依次拍摄下来。连续放映时，在银幕上产生活动的影像。这种影片可以展示形体的任意变化，动物、景物、器物的拟人活动，充分发挥真人实物所难以表达的想像、夸张的幻想。

　什么是动作衔接？

动作衔接是使影片主体动作具有连贯性的剪接方法。包括人物形体动作、镜头动作和景物动作三个方面。人物形体动作以动作变换瞬间的转折处为剪接点，运用分解法或增减法，使上一个镜头与下一个镜头的转换连接具有连续性而无跳跃感；镜头动作指推、拉、摇、移、跟、升、降等运动性镜头的剪接，一般以动接动，以静接静的方法，使上下镜头动作有机结合，连贯流畅；景物动作指自然界景物在镜头中的动作，诸如行驶中的轮船、火车，日出月落，风云变幻等等，一般都根据影片内容、情节和人物情绪选择最佳的剪接点，以取得情景交融的艺术效果。

　什么是多机拍摄？

多机拍摄是使用两台或两台以上摄影机，对同一场面同时作多角度、多方位的拍摄。例如某些场景规模宏大，出场群众演员众多，而且场面调度复杂，为使拍摄一次成功，并提高拍摄效率，一般都采取多机拍摄的方法。安排多机拍摄，以其中一、二台摄影机为主，拍摄大远景或表现主角的场面，其余摄影机则作为辅助，拍摄该场面中某些相应部分。多机拍摄有一次完成的优点，但也给现场拍摄工作，诸如布光、同期录音，以及各个摄影小组的隐蔽等带来一定的难度。同时，胶片的消耗量也较大。

　什么是多银幕电影？

多银幕电影是以特制放映机在多块银幕上同时映出不同画面的电影。观众在观看主要画面的同时，还能在其他银幕上看到有关细节。多银幕电影可以丰富影片内容，加深观众对影片的感受和理解。

　什么是分镜头剧本？

分镜头剧本又称“导演剧本”。将影片的文学内容分切成一系列可以摄制的镜头，以供现场拍摄使用的工作剧本。由导演根据文学剧本提供的思想与形象，经过总体构思，将未来影片中准备塑造的声画结合的银幕形象，通过分镜头的方式予以体现。导演以人们的视觉特点为依据划分镜头，将剧本中的生活场景、人物行为及人物关系具体化、形象化，体现剧本的主题思想，并赋予影片以独特的艺术风格。分镜头剧本是导演为影片设计的施工蓝图，也是影片摄制组各部门理解导演的具体要求，统一创作思想，制订拍摄日程计划和测定影片摄制成本的依据。分镜头剧本大多采用表格形式，格式不一，有详有略。一般设有镜号、景别、摄法、长度、内容、音响、音乐等栏目。表格中的“摄法”是指镜头的角度和运动；“内容”是指画面中人物的动作和对话，有时也把动作和对话分开，列为两项。在每个段落之前，还注有场景，即剧情发生的地点和时间；段落之间，标有镜头组接的技巧。有些比较详细的分镜头剧本，还附有画面设计草图和艺术处理说明等。

　什么是风景片？

风景片亦称“风光片”、“风景速写片”。专题介绍风景、地理、名胜古迹的一种影片。除以优美画面展示风景外，也有普及历史、地理，以及考古学、气象学等科学知识的作用。早期风景片多为纪录性，近年也有以故事情节加以贯串的。随着世界旅游事业的兴起，风景片也有导游的作用。中国第一部风景片系商务印书馆活动影片部1919年摄制的《西湖风景》。

　什么是歌舞片？

歌舞片是纪录歌剧演出或根据歌剧改编的影片。多由歌唱演员担任主要角色。主要依*歌唱刻画人物、展开情节。30年代在西方曾风行一时，中国大陆从50年代开始摄制歌剧片，较著名的有《白毛女》、《刘三姐》和《江姐》等。

● 形式主义　Formalism
文学、艺术或戏剧中专强调形式与技巧而不强调题材的表现手法。起源于1915年的俄国，因为莫斯科语言学圈及诗语言学会的成立，反对俄国革命前处理叙述材料的传统方式，转而重视艺术语言形式的重要性，逐步影响到当时的各艺术领域。在电影表现或分析上，形式主义强调不同形式的运用可以改变材料的内涵，剪接、绘画性构图与声画元素的安排都是形式主义电影工作者的兴趣所在，如1920年代的普多夫金、爱森斯坦等均是此种主义的支持者。1930年代中期遭斯大林主义的压迫而停止在俄罗斯的发展，但对后来的结构主义与符号学有很大影响。

● 印象主义　Impressionism
1920年代法国的电影创作者路易．狄吕克团结一批有才气的导演，如亚伯．冈斯、哲敏．杜拉克等与一些在商业电影上已取得成究的电影导演，想在影片公司老板出于商业考量而拍摄的影片中进行改革，以提升在一次世界大战后日渐衰微的法国电影。但其努力没有得到制片们支持，1924年狄吕克死后运动即告失败。一些人走向商业片，另一部份则走向前卫派道路。由于狄吕克的一些理论与创作概念与后来法国前卫电影运动有紧密联系，所以印像派电影大都被认为是前卫电影的前奏或直接归入前卫电影。重要作品有冈斯的《车轮》(1922)、狄吕克的《狂热》(1921)杜拉克的《西班牙节日》(1919)等。

● 超现实主义　Surrealist film
1920年兴起于法国，主要是将意象做特异的、不合逻辑的安排，以表现人类潜意识的种种状态。路易斯．布纽尔的《安达鲁之犬》可以算是早期超现实主义电影的经典作品。而超现实主义电影的兴起旨在反抗写实主义与传统艺术，领导人安德烈．布列东的一篇宣言中提到：「一种纯粹的心灵自动作用，在此作用之下，试着以语言、文字或其它任何方式，来表现思想真正的运作情形。」后来超现实主义成为实验电影与地下电影的重要源头，如美国的玛雅．黛伦与肯尼斯．安格。商业电影中超现实主义并不是主要派别，只出现在个别导演的电影中，如伍迪．艾伦。

● 新写实主义　Neorealism
二次世界大战后在意大利兴起的一个电影运动。主要代表人物有罗贝多．罗赛里尼、狄西嘉、鲁奇诺．维斯康堤等。这类的电影大主题大都围绕在大战前后，意大利的本土问题，主张以冷静的写实手法呈现中下阶层的生活。在形式上，大部份的新写实主义电影大量采用实景拍摄与自然光，运用非职业演员表演与讲究自然的生活细节描写，相较于战前的封闭与伪装，新写实主义电影反而比较像纪录片，带有不加粉饰的真实感。不过新写实主义电影在国外获得较多的注意，在意大利本土反而没有什么特别反应，1950年代后，国内的诸多社会问题，因为经济复苏已获抒解，加上主管当局的有意消弭，新写实主义的热潮于是慢慢消退。
<P>● 法国新浪潮　New Wave
原本是没有严格界定的新闻性用语，指1958与1959年间一批法国新导演所拍摄的格调清新，频频获奖的首部作品。后则被广泛运用，概括了法国1950年代末、1960年代初期的新电影制作与创作倾向。这些新导演有很多都是《电影笔记》杂志的影评人，如高达、楚浮、夏布洛、侯麦、李维特等。他们崇尚个人独创性，表现出对传统电影的高度自觉，并用其作品体现「作者论」的风格主张，不论是题材还是技法都与传统电影大相径庭。混合利用传统电影类型与好莱坞导演风格，来实验剪接与结构上的新形式。由于重视拍摄的自由度，往往只凭纲要性的脚本拍摄，喜欢即兴与自发的拍摄方式。而其主题上则带有存在主义的色彩，如亚伦．雷奈的，《广岛之恋》与高达的《断了气》均是这类影片。新浪潮这个词自从1950年代末至1960年代初与法国结缘后，常被拿来形容其它国家新兴的电影制作活动和电影复兴现象。如捷克、匈牙利的新电影，1960年代的波兰与1970年代的德国新电影。

● 真实电影　
1950年代末开始的，一种以直接记录手法为特征的电影创作潮流。代表人物有法国的尚．胡许与美国的大卫．梅索。这些倡导者自言他们的灵感来自苏联的吉加．维多夫的「电影真理报」，较大的差别在于真实电影的事件更完整与单一，因此更具有剧情片的情节。制作方式上，以直接拍摄真实生活，不事先写剧本与用非职业演员，影片由固定的导演、摄影师与录音师三人完成为其特点。法国与美国的真实电影最大不同在于法国可让导演介入，如尚．胡许的《夏日记事》(1961)，而美国的真实电影则强调导演置身事外，不干涉事件进行。这样电影拍摄手法要求导演能准确的发现事件与预见戏剧性过程，摄制动作要敏捷与当机立断，而这种方法必然限制了题材的选择方向，因此纯粹意义上的真实电影的作品很少。而真实电影的最大意义在于它给一般剧情片的创作提供一个保证最大限度上的写实性。高达在他很多电影里面进行主观介入是直接搬用真实电影的方法。
<P>
● 第三电影　Third Cinema
泛指第三世界电影工作者所制作的反帝、反殖民与反种族歧视、反剥削压迫等主题的电影。其具体主张由古巴导演费南多．索拉纳斯与奥大维．杰提诺在1970年代初期合写的《迈向第三世界电影》(Toward a Third Cinama)一文，他们称资产社会依其封闭与被动的艺术观所拍摄的电影商品为「第一电影」，作者电影、巴西新电影、表现主义电影等强调个人经验的作品为「第二电影」，「第二电影」是第一电影的一条出路，但是已是体制的极限，而在革命中产生，与体制对抗的电影则是「第三电影」，亦可称为解放电影与游击电影。这两位导演强调「第三电影」必须是制作体系无法吸收，且异于体制的须要。在《迈上第三世界电影》一文中，作者提到：「摄影机是影像/武器的无穷征收者，放映机则是一秒发射24格的步枪。
● 巴西新电影　Cinema Novo
指巴西在1960年代兴起的新电影运动，特色是以低成本的方式，创造有地方色彩的电影文化，以挣脱外来，尤其是北美电影文化的主导形式。他们对于国家、社会现实的观点较为犀利，美学原创力亦非常丰富。最早以葛劳伯．罗恰领导的电影合作社方式经营，重要导演还有鲁伊．盖拉、尼尔森．皮瑞拉等。他们的电影既反映了社会现实，也极力寻求大胆甚至古怪的美学风格，如罗恰的《黑神白魔》(1969)等。在海外影展亦有不错的成绩。巴西新电影曾被激进左派批判为太重美学意义，并在发展上与电影工业互相唱和。此外，巴西的观众仍然较喜欢重娱乐的商业电影，对于新电影较不接受。1964年巴西军事叛变，检查制度变严，而重要创作者如罗恰到海外拍片，所以新电影运动没落。但巴西新电影对于其它拉丁美洲国家的以电影运动有不少的影响。
● 德国新电影　New German Cinema
1960年代初出现在西德的一次旨在振兴德国电影的运动。1950年代西德随着经济的复苏电影亦蓬勃发展，但内容逃避现实，贫乏单调，1950年代末到1960黏代初电影业陷入低潮，连国际影展的参加资格也没有，受到当时法国与英国等国家新电影的影响，便产生了德国新电影。1962年的「奥伯豪森」西德短片电影节中，有26位导演一起发表了「奥伯豪森宣言」，发起人大都是只拍过短片的年轻导演，宣称要与传统电影决裂，要运用新的电影语言并且从陈规陋习、商业伙伴与某些利益团体的羁绊中解脱出来。不过宣言运动开始的前三年由于资金缺乏，只拍出一部电影。1965年取得政府协助，成立「青年德国电影管理委员会」资助青年导演拍片，到1967年总共拍了20多部电影，并在国际影展中获得肯定，因此德国新电影声名大噪。但这初期的德国新电影并没有法国新浪潮那种轻松放任的感觉，反映的世界不是豪无希望，但也没有明确出路，因此在国内不受欢迎，很快又限入危机。1975年新电影运动再次出现高潮，原因是政府的资助法作了更改，变得有利于青年导演；电视台开始资助年轻导演拍片；1971年之后，德国创办了自助性的电影摄制与发行机构「作家电影出版社」与「新德国剧情片制片人工作协会」；美国大片商也注意到德国新电影并开始投资。而更重要的原因是这时期出现许多人材：法斯宾达、荷索与温德斯等。他们的作品在艺术上富有特色，在国际上也获得很多肯定，但是在国内仍不受欢迎，于是第二次高潮又再次陷入沉寂状态。1979年新电影运动再次复兴，这得力于法斯宾达的《玛丽布朗的婚姻》与雪朗多夫的《锡鼓》在国内票房上成功，使德国新电影摆脱国际上得奖而国内不卖座的局面，1979年之后运动声势更为浩大，成为西德电影的主流，在人们心中已成为一个流派的标志。

● 直接电影　Direct Cinema
指以写实主义电影风格拍成的纪录片，和「真实电影」的摄制有许多共通处，如以真实人物及事件为素材，客观纪实的技巧，及避免使用旁白叙述等。直接电影和真实电影的唯一差别，在于直接电影视摄影机为安静的现实纪录者，以不干扰、刺激被摄体为原则；真实电影则使摄影机主动介入被摄环境，时而鼓励并触发被摄者揭露他们的想法。

(电影的特性) (一)综合性的艺术：电影，除了具有一般文艺的共性之外，还具有它自己的特性，它是一门综合性的艺术。其中包括文学、戏剧、音乐、美术、舞蹈、建筑等。

综合性的艺术特点，决定了电影是一种集体智慧的结晶。—部电影的拍摄成功，必须要由编剧导演、演员、摄影等共同进行创造性的劳动才能完成。

(二)综合性的技术：电影的发明和发展是社会生产发展的结果，特别是和自然科学技术的发展紧密相联的。化学、机械光学仪器和电子等工业的发展，都是电影艺术发展的技术基础。所以，电影也是一种综合性的科学技术。

(三)视觉艺术：电影虽然是一种综合性的艺术，以声、画结合为主，但它的基本特点是视觉艺术。这是因为它可以运用自己特有的手段，把文学作品中作者用文字描写和刻划的人物，变成具体的、让人们能够看得到的艺术形象，直接呈现在观众的眼前．它用富有动作曲的视觉形象，鲜明、生动、准确地反映生活，刻划人物，让银幕上的视觉形象说话。

[电影在中国安家落户] 1895年进西方诞生的电影，初期虽然只是一些无声的片断镜头，还没有达到现代艺术的境地，可它却以其惊人的吸引力，迅速在世界各地普及。

清朝末年，随着各国商人的来华，电影也传入了中国。1896年(清光绪22年)8月11日美商雍松第一个在上海徐园(福建北路唐家弄)内的“又一村”放映了电影，当时被人们称作“西洋影戏”。

1898年，几位意大利人、俄国人由在上海放映了一些纪录片，引起了中国观众极大的兴趣。1899年，西班牙商人加伦白克带了一台简陋的电影放映机和几本电影的残旧片断来到上海放映。内容是高山、流水、火车飞奔，轮船行驶，大火烧，人物鸟兽的活动片断。1904年，西班牙商人雷玛斯，带着几部故事片来到上海。这些短小的故事片有人物，有情节。生意很好。因此，雷玛斯大发其财，并于1908年，在上海虹口公共租界海宁路与乍浦路口，用白铁皮搭起了一座只有二百五十个座位的电影院，名叫“虹口大戏院”，从而建立了我国第一座电影院，后来，雷玛斯又在北四川路梅宁路口建筑了一座富丽堂皇的、真正的电影院——“维多刮亚大戏院”。

在西方电影传入中国放映的同时，外国的一些制片公司也派人到中国取材拍摄影片。1896年，美国缪托斯柯甫公司拍摄了最早以中国为题材的纪录片《李鸿章在格伦特摹前》。1898年，A·爱迪生又拍摄了《中国仪仗队》。]902年，邵醉翁同美国人列文合拍了《慈禧太后》，这是中外合拍的第一部电影片。

在清末民初，人们对电影的兴趣越来越浓。1913年，我国青年张蚀川(后改名张石川)和郑正秋，同当时来中国电影的美国人依什尔合作，接办了美商宾杰门·布拉斯基于1909年在上海创办的“亚细亚影片公司”，并改名为“亚细亚中国影戏公司”，由郑正秋担任编剧、张蚀川桕任“指挥者”(即后来的导演)，建立了中国第一家电影制片公司，从此电影便在中国的土地上安家落户了。

(中国电影的兴起) 1905年，我国开始独立拍摄电影。那年，北京琉璃厂的丰泰照相馆；进口了一台手摇式电影摄影机，只花了三天的时间，拍摄了由著名京剧演员谭鑫培主演的《定军山》，使我国有了自己拍摄的第一部无声影片。不久，在北京西单的“文明茶园”，又挂起了“北京电影”的牌子，成为中国最早的放映场。

“亚细亚中国影戏公司”成立后，由郑正秋编剧，张石川导演的中国第一部故事片《难夫难妻》，于1913年9月底在上海新舞台首次放映，有趣的是剧中的男、女主角都是由男演员扮演的。

1917年，一位美国人想在中国开设电影制片厂而没有成功，上海的私营商务印书馆便以两千元现大洋，买下了他的全部摄影器材，于1918年成立了“活动影戏部”，开始拍摄一些“风景片”、“时事片”、“教育片”、“古剧片”和“戏曲片”，如《长江名胜》、《西湖风景》、《盲童教育》、《驱灭蚊蝇》等。

1922年，由中国影戏研究社摄制，任彭年导演的我国第一部长故事片《阎瑞生》上映，它是以当时轰动上海的阎瑞生谋害王莲英案件为依据，写的是真人真事，投合了小市民阶层的口味，上映盛况空前。这部影片，内容极端恶劣，艺术质量也十分低下。开映之初，便受到当时正直舆论的反对。同年，明星影片公司出品了〈〈孤儿敏祖记〉，新亚电影公司拍摄了《红粉骷髅》。这两部影片，除当时风靡上海，天津、北京以外，还远到日本，越南等国放映，成为我国最早出国的影片。随着电影在中国的兴起，从二十年代初，“明星”、“联华”、“艺华”、“电通”等各种影片摄制公司和团体相继而生，但有的背离人民意志，中途夭折；有的遭受国民党反动派的破坏；有的却顺平民心，利用电影手段为全中国人民的解放事业立下了不朽的功勋， （中国最早的有声片） 1930年以前，我国的影片都是默片(无声片)。1930年，由洪深编剧，张石川导演的《歌女红牡丹》是我国第一部有声片。这部影片采用的是蜡盘发音的方法。所谓蜡盘发音，就是把人物对话和环境音响灌制在一块柔软的蜡版上，同时，摄影机相应地拍摄下演员的动作和各种需要的场景。放映时，将胶片和蜡版由一台马达带动，由于转速是一致的，所以银幕上声画就很好地吻合在一起。用这种方法声音清晰，发音声浪好，但最大的缺点是怕断片，如果胶片损坏的长度超过—英尺，声音和影像就会脱节。

1931年3月15日，《歌女红牡丹》在上海新光大戏院首次公映，它是由上海明星影片公司和法国的百代影片公司联合摄制，以民众影片公司的名义出品的，主要演员有：胡蝶、王吉亭、龚稼农等。剧情是描写女歌星由盛到衰的故事。由于这种既能看到人物形象，又能听到声音的电影第一次在我国出现，所以新光大戏院门庭若市，观众争相观看，不仅轰动了全国务大城市，而且也受到了南洋侨胞的热烈欢迎。这部用蜡盘发音的有声影片，虽然在艺术与技术上都很幼稚、不成熟，但就当时的条件来说，能有勇气进行这样的尝试，并取得如此成绩，那可真不是一件容易的事。

在《歌女红牡丹》诞生的同年，“大中国”和“暨南”电影公司又联合摄制了我国第一部片上发音(即现在广泛采用的把声音和画面录、摄在同一条胶片上的方法，这种方法也叫“记音影片”)的影片《雨过天晴》。

(新奇的电影种类) 电影从无声到有声，从黑白到彩色，从普通银幕到宽银幕，已经经过了多次飞跃。但是，事物总是发展的，目前世界上的电影种类更加增多，并且还在继续发展。

(一)白昼电影：白昼电影，就是光天化日之下露天放映的电影。为了避免放映时外来光线的干扰，在银幕前都装有遮檐或暗框，使所映的画面，具有足够的亮度和反差，放映这种电影有两种方法，一种是把放映机装上短焦距镜头以及反光镜等，从银幕后面把影像投到透射银幕上，观众从前面观看。另一种同一般放映相似，把影像从正面投映到银幕上，但银幕需有白昼电影相应的遮光设备。

(二)全景电影：又称西尼拉玛，它是景象范围较宽银幕更为广阔的一种电影形式。放映时，用三台放映机，分别放映三分之一的画面，接合成一幅全景画面投放在宽阔的弧形银幕上，由于它的水平视角达到了146度，所以在观看时感到十分逼真。另外，这种电影还配有多路立体声的还音装置，从而使观众更有身临其境之感。

(三)环幕电影：环幕电影是由十一台放映机同时将不同的画面顺序地放映到一个设在圆形大厅周围的幕布上，形成一个直径十几米的大圆圈。观众可以在360度的水平视角内观看，从而最大限度地扩展了影像范围。这种银幕长达33．5米，电影院的大厅里没有座位，要站着看，观众就如站在广场上，身体处在画面的包围之中，可以前后。左右任意地欣赏，真实感非常强。还有的国家的环幕电影，安装的是”双层银幕”，它的上层可以表现天空的自然景色和风光，以及飞机。火箭、人造卫星等飞行物体，下层银幕可以表现地面上的环境和人物。

（四)立体电影：这种电影能够使观众看到立体影像。它是根据双眼视觉原理，用两个平列的镜头，对同——物体同时摄取两个影像。将这两个略呈偏差的影像，同时放映在银幕上，并使观众的左右眼，分别看到其中一个相应的影像，由视神经传到大脑，叠合在一起，就产生了立体感。立体电影有两种：一种是要戴眼镜(红绿眼镜或偏光眼镜等)看的；—‘种是不用眼镜，而由光栅银幕产生立体感的。

(五)宽片电影，它是采用宽度为70毫米的电影胶片进行摄制和放映的电影。画格的面积相当于普通的3．5倍。放映时还是用普通镜头。这种电影不但画面宽广。影像清晰，而且配有六路或九路立体声还音装置，近似全景电影。

(六)穹形银幕电影：它的银幕成大半个穹形的圆顶。象一口大铁锅一样把观众罩在下面，放映时，采用多机同步放映，使观众能够看到星空，天体变化无穷，栩栩如生的万千气象。

另外，除了各种类型的宽银幕电影以外，还有圆景电影、变形银幕电影等。

(遮幅电影) 遮幅电影又叫“假宽银幕”电影。在拍摄宽银幕影片时，需要用变形压缩镜头，将景物横向压缩成又瘦又长奇形怪状的变形形象。在放映时，必须使用反向压缩的变形放映镜头，将原来横向压缩了的影像重新按原比例横向拉长。这样，就会产生开阔视野，真实感较强的宽银幕电影的艺术效果。

为了改变和省略繁琐的光学变形原理的摄影和放映，现在普遍采取了，—种简便、经济、实用的“遮幅式影片”。拍摄这种影片时，往往在摄影机镜头前加一个挡板，使普通银幕的画幅上下边各遮去一部分，从而造成画幅比例的变更。放映时，用焦距较短的镜头，就能收到宽银幕的效果。近年来，由于电影摄影技术的进步和摄影机运动幅度的增大，人们深感普通银幕在拍摄大场面时视野不够开阔，而一般宽银幕在拍摄近景和人物特写时又不如普通银幕理想，故而找到了这种兼有两种银幕优点的银幕比例。我国规定采用遮幅电影的银幕高宽比例是1：1.66。

“遮幅电影”具有视野广阔。画面构图优美，色彩和清晰度好等优点。此外，它在拍摄和放映时又与普通银幕差不多，因此能普及到广大农村和山区，是一种深受广大观众欢迎的电影形式。

（动画影片的拍摄) 拍动画片的程序是这样的：当导演拿到电影剧本后，要同创作人员一起，对整个影片的人物造型，音乐环境，摄影处理，对话等进行构思设计，把故事内容按照电影的要求，画成连环画式的分镜头画面，使文字变为图画形象。然后画出各种人物形象的静止图、动作图、表情图以及人物比例图，背景草图等，经摄制组讨论定稿后，再把每个角色的动作姿势，用铅笔画在纸上，动一点就画一张。一部放映一小时的动画片，几乎要画六、七万张。画面画完以后，描线上色人员再把纸上的形象描在化学片上，涂上各种不透明的颜色，配上背景·，然后再进行拍摄。拍摄时要用逐格摄影机，拍一格，换一张画面或一个动作，再拍一格，再换一张画面或一个动作。

影片拍完以后，再请配音演员配上对白，加上各种需要的音响效果，并请音乐家根据剧情写出曲谱，由乐队配合放映在银幕上的画面，演奏配乐。然后，把这几种录好的声音合并成一条声带后，再复制到电影画面上，这样的电影底片，经过洗印，翻制成拷贝，在银幕上我们就看到能动会说的动画影片了。

（宽银幕电影的银幕为何是弧形） 宽银幕电影视野宽阔，气势大，观众都愿意看。可是，它的银幕不是平面形，而是弧形的。

宽银幕电影是一种特制的影片，它的银幕也并不是普通银幕加宽和拉长。因为普通银幕只有六、七米宽，由于银幕小，从放映机射出的光到达银幕的中间部分和边缘部分，距离差别不是很大的，银幕上各个部位承受的光线，几乎没有明显的强弱差异，画面自然是十分清晰的。而宽银幕有十二、三米宽，要是跟普通银幕一样做成平形的，那么投射到银幕中部和边缘部分的光线因为通过距离的长短有显著差别，银幕中部光线强，边缘部分光线弱，这样，由于焦距不对就造成了整个画面中间变形、两边模糊不清。为了改变这种现象，人们便以放映机镜头作为等腰三角形的顶点中心，以中线长度为半径，制成了长约十二、三米，中间向后凹、左右两边伸向前的弧形银幕，使银幕上的各点跟放映机镜头的距离基本保持一样，画面就自然均匀而清晰了。

(镜头的连接技巧) 每部影片都有不同景别的几百个镜头，要把这些镜头连接起来，主要方法有以下几种
(一)淡出、淡入：又称渐隐渐显。淡出是画面由明晰渐渐隐去，变为全黑，相当于舞台上的“幕落”；淡入是影片从全黑中渐渐显出画面来的一个镜头的开端，它的作用是分隔时间空间，表达戏剧段落，相当于“幕启”。

(二)化出、化入：即在前一个镜头渐隐的同时，后一个镜头又重叠出现，直到前一个镜头消失。这种方法常用于影片开始时的字幕介绍，或表示剧中人的回忆、想象以及时间的省略。比如从一个雪景转换为桃花盛开所表示的冬春季节，最适用于吐较缓慢或柔和的节奏。

(三)划出、划入：是以一条直线或一个圆周线，从镜头画面的一边或一部分运动到另一边或另一部分。第二个画面就跟着这条直线或圆周线出现，直到前后两个镜头交替完毕。这种方法好象翻阅画册的动作，常用于科教影片中，也可在故事片中表现字幕或人，景等物。另外，“划”的技巧中还有帘子卷起或放下那样的帘出、帘入形式和以缩小或扩大圆圈来展现画面的圈出、圈入等形式。

(四)切出、切入：它是从前一个场景的画面立即转为后一个场景的画面，中间不需要任何技巧，而采用镜头直接转换，连接紧凑，往往用在环境描绘、人物对话、行动的衔接上，在艺术表观上具有干净利落，进展迅速的特点，在艺术表现上具有干净利落、进展迅速的特点。

(五)反转、倒转：是一个画面经过180度的前后翻转换为另一个画面。这种反转画面特别适用于表现对比内容的镜头。在影片结构上，还可以用它来连接两段各不相同的“戏”。倒转画面，是将一个倒置的画面上下旋转180度变为正置的活动画面，这种方法，能够改变剧情发生的时间、地点。

随着电影艺术表现手法的日益发展和电影观众欣赏水平的不断提高，在当前电影镜头的运用上，已大量采用“无技巧剪接”，即镜头之间的组接很少用淡、化、划，而采用镜头直接切出切入的技巧。
(电影剧本和小说的区别) 一部好的电影剧本，决不能以文字的表现为满足，必须符合电影形象化表现方法的要求，以有助于导演、演员以及其他工作人员对于形象性的理解和塑造。
电影剧本和小说的区别在于：

(一)电影剧本和小说都具有在描写方法上的自由，不受时间和空间的限制。不同的是，文字是小说的唯一表现手段，而创作电影剧本的时候，要符合电影是视觉艺术这一特点，它能给观众以明确，具体的人物形象和场景。例如，在小说《苦菜花》里，当母亲得知自己的儿子牺牲时；用了很长的篇幅来描写，刻划她内心的无比悲痛，而在电影文学剧本中，只用了“母亲用尽全身的力气在织布”的简单描写，当这个镜头出现在银幕上时，就会给人以强烈的艺术感染力。

(二)小说的篇幅是没有限制的，而电影剧本的篇幅要受到一定的限制。这样，就要求电影剧本的主题思想突出，人物集中，情节紧凑，对话精练。

(三)在小说中往往有一些说明性和叙述性的描写，而电影剧本却不需要。因为在银幕上很难把人物精神上的抽象东西，变成人物具体动作，表情和语言，让观众在电影上明确的看到。要使观众在电影上能够明确地看到人物的精神和思想感情活动的情况，电影剧本必须要对人物的精神和思想感情活动的情况做具体的描写，这对电影剧本来说是很重要的。

(四)小说是以个人阅读为主，可以略读，粗读，细读，在必要的时候还可以复查、对照。而电影在一般情况下是集中观看，这就要求在编写电影剧本时，从主题思想、人物关系，到剧情的发展都要交代清楚。另外，由于观众文化程度的不同，接受能力也不相同，电影剧本要通俗易懂，深入浅出，特别是人物的对话要精练，富有哲理性，能波广大观众所接受。

（电影分镜头剧本) 电影剧本为拍摄电影奠定了基础，但它还不能直接用来进行拍摄，导演还要根据剧本内容和自己的总体构思，写成分镜头剧本。

编写电影分镜头剧本，是将文学形象变为银幕形象的重要环节。分镜头剧本主要包括：镜号、场景、景别、特技、镜头内容、音乐、音响等。这样不仅把文学形象变为银幕形象，而且赋予影片独特的艺术风格。
另外，还有—种镜头纪录本，又叫做“完成台本”。，它与分镜头剧本很相似，但性质却不同，它主要是供给进行电影宣传、评沦和研究工作人员参考，以及放映单位查对、修剪影片时使用。

(蒙太奇) “蒙太奇”，是电影工作者从法国建筑学上借用来的名词，它的原意是：将建筑上各种各样的材料，根据一个总的计划，分别加以处理，而把它们安装在一起的意思。在电影中，将摄影机拍摄下来的镜头，按照生活、姜学的原则和剧本结构，原定的创作构思，把这许多外表不相连贯的、缺乏完整概念的各个镜头，创造性地组织起来，使它产生连贯、对比、联想，衬托等作用，这就叫做“蒙太奇”，它能使观众得到一个明确，生动的印象和富有节奏感。

(电影镜头) 这里所讲的电影镜头，主要是指镜头运动的方式，拍摄的不同角度和不同内容而言。
电影镜头是多种多样的，根据电影内容和表现人物性格的需要而使用不同的镜头。电影摄影机从开拍起到停止拍摄，这—段电影胶片叫做一个镜头。从第二次开拍到再停止就算第二个镜头。一般地来说，电影镜头有下列几种：

(一)拉镜头：它的作用是为了让观众在看清楚某一重点的基础上，由点到面，认识人物和环境，局部和整体的关系。拉镜头使人产生宽广舒展的感觉。例如，故事片《苦菜花》中的第一个镜头，首先出现的是一朵盛开的苦菜花的特写镜头，然后又出现一只小手伸入画面采摘，但观众却看不到人物，也不知道是准的手，这是镜头拉开了，观众才看到是曼子在欣喜地挖出苦菜花。这种拍摄方法，就叫做拉镜头。

(二)眼镜头：顾名思义，就是镜头始终是跟随一个在行动中的表现对象进行拍摄，以便连续而详细地表现他的活动情形，或在进行中的动作和衷情。

(三)摇镜头：这是指摄影机放在固定位置，向左右环顾，摇摄全景，或者跟着拍摄对象的移动进行摇摄。它常用于介绍环境或突出人物行动的意义和目的。

(四)推镜头：是指被摄人位置不动，只移动摄影机推成近景或特写镜头。同一个镜头内容，缓慢地推近，给人以从容，舒展和细微的感受。快推则产生紧张，急促、慌乱的效果。推拍，可以引导观众更深刻地感受人物的内心活动，加强气氛的烘托。

(五)主观镜头：是将电影的镜头当做剧中人物的眼睛来观察和表达客观事物的，它可以模拟感觉、渲染气氛。主观镜头比较普遍的是用来表现人物在特殊情况下的精神状态，也常用来反映人物的幻觉，想象，这在电影中是经常出现的。同时，对于刻划人物性格也有突出的作用。例如，故事片〈〈小花》的开头，有一段小花寻找哥哥的回忆镜头，它先用奔跑的镜头，引出当年的小花，又用喊哥哥的声音回到了现实，处理得自然流畅，产生较强的艺术效果。

(六)空镜头：这种镜头，以具体的视觉形象(即画面)表明一定的时间、地点、没有人物，没有语言，只丧现具有一定寓意的自然景物和气氛的场面。如山、水、海、青松、花草、白云、月亮、飞鸟等。它是使电影富有诗情画意的重要手段，从而造成宽广，深邃的意境。

(七)俯仰镜头：俯仰镜头可分为俯镜头和仰镜头。俯镜头除鸟瞰全景之外，还可以表现阴郁、压抑的感情，一般起贬意的作用。仰镜头为瞻仰景，在感情上起着褒意的作用。

(八)升降镜头：升降镜头一般用于大场面的拍摄，它能够改变镜头视角和画面空间，有助于戏剧气氛和效果的渲染。例如，故事片《天山的红花》中，当奥依古丽下了吉普车，走进群众欢迎她的场面，就是摄影师在直升飞机上高俯拍摄的。这种拍摄方法渲染了气氛，展示了广阔的空间。

(九)综合性镜头：综合性镜头，指镜头的运动方式是多种多样的。有时为了使电影更充分、更突出地表现某一情节，往往在一个电影镜头里，将推、拉、升、降、摇、移等镜头结合在一起使用。它为画面造成正、侧、仰、俯、平等各种不同的镜头角度，既能表现环境的全貌，又能表现某个特定人物的近景，以及人物与人物之间的关系，使电影更加富有表现力。所以，电影镜头既可以单独使用，又可以结合、交织在一起使用。这种镜头也称为长镜头。

(十)变焦距镜头：它是指摄影机的位置不变，通过安装在影机内的变焦距镜头的焦距变化，使拍摄对象在不改变与摄影机的距离的条例下，加速或匀速的拉远或推近，造成一定的节奏。

(电影景别) 我们在看电影时，银幕上的景物一直在不停地变化着，一会儿近，一会儿远，忽而大，忽而小……这些变化，在电影艺术中，称它为“景的转换”，即所谓“景别”。它是为塑造人物形象和表现一定的思想内容服务的，因此，它拍摄什么，强调什么，突出什么，都有着明确的目的性。
(一)近景：它是用来表现人物或环境较突出的部分，或者强调人物之间的关系，一般在画面中表现人物胸部以上的活动情形和面部表情。特别在强调人物表情时，近景运用得比较多。

(二)远景：是用来表现最大的空间的，如拍摄人物全身或周围环境，自然景物及广大群众活动场面等，其目的在于交代环境、烘托气氛．有时，也用来刻划人物心理活动。

(三)中景：用来表现环境或人物的一部分。如果用它来表现人物膝部以上的活动情形，它能给人物表演以自由活动的空间。

中景还经常用来表达平静，正常的情绪、气氛，展现人物之间的关系和感情交流。中景，在一部电影中占的数量最大，起着不可忽视的作用。

(四)全景：用于拍摄人物及其周围环境或自然景色，专用于表现一定范围的情景和一个景物的全部。如在表现群众场面，显示人物行为与精神气势，烘托气氛和意境方面，用全景有很好的艺术效果。

(五)特写和大特写：是指突出人物的头部，或突出要强调的“物”，占满整个银幕。它可以把演员的眼神，表情、动作最清楚地，最突出地表现出来，以揭示人物的内心活动，给观众留下深刻的印象。

电影的景别，从每个镜头来说，它给观众划定了一定的范围，使观众只能从一个特定的视点去观看，带有某种程度的强制性；但就整个影片来说，不同景别的运用，又可以使观众从多种多样的视点去欣赏，仿佛身临其境，感染力强。所以，景别之间的关系也同一切事物的关系一样，是对立的统一，尽有探据内容的需要，正确的运用，并把它们有机地结合起来，才能发挥出各自的性能，更好地表达主题思想。

（电影剪辑） 电影剪辑是根据剧本的内容，，围绕主题的发展，按照分镜头剧本的要求，对影片的结构与节奏进行镜头组接的艺术再创造，把一部故事片的内容，分解成为若干段落和片断，以至上百个零散的、分解动作的电影镜头，再将宦重新组合，连接成为—个运动的整体，这就是电影镜头的组接。所以说，电影剪辑就是把一部上百个零散的，分解动作的电影镜头，通过剪接．技术与技巧，运用电影”蒙太奇”的手法，把它们有机地结合起来，成为一部电影。

要剪辑好一部电影，应注意定，下几点：
(一)围绕突出主题思想和塑造形象进行剪辑：通过对镜头的组接。可以选择要突出表现的对象中主要本质的部分，舍去多余的、繁琐的内容，以求更好地体现电影的主题思想和人物的塑造。
(二)镜头的剪辑可以强化电影的矛盾冲突：通过镜头的剪辑—些内容集中或强化，增加艺术效果。
(三)镜头的剪辑要使场面调度和环境背景有机地结合起来。
(四)镜头的剪辑可以形成不同的艺术节奏：镜头的剪辑是形成电影艺术节奏的重要手段之一。短镜头的组合，能造成紧张急迫的节奏，长镜头的衔接，给人以平缓的感觉。这是一般的规律。所以，一部影片的内容叙述，必须节奏分明，有紧有松，才能始终吸引住观众的注意力，取得较好的艺术效果。
(五)镜头剪辑要做好影片中各场之间的衔接，影片各场之间镜头的衔接，不仅关系到时间，空间的变化是否流畅，还涉及到人物、情节有机地延续，叙述的节奏等。经常使用的衔接方法有下列几种：

（1）语言衔接：就是当剧中人物正好说到某人或某种景物时，画面中就立即出现了。
(2)旁白衔接：旁白也是经常采用的工种衔接手段。
(3)物件细节衔接：这种衔接方法在电影中用的很多。一种是用贯串前后的物件细节；另一种是不贯串的细节，也可以当衔接因素来利用。
（4）用人物进行衔接；这种衔接方法：可以省略多余的、过程性的内容叙述，使其更加紧凑、连贯。
(5)用相似的人物造型进行衔接：例如，朝鲜故事片《卖花姑娘》中，街头上要饭的盲人走动的双捌，与监狱中犯人带着铁链的双脚镜头相衔接等。使用这种衔接方法，：不仅使影景的转换自然、流畅，而且有着深刻的寓意。
(6)做好声与画的结合：声与画的结合方法，一般分为两类：一是同位结合，即画面表现的内容与声音完全一致；二是对位结合，即声音与发出声音的画面不同位的组接。这两种结合方法，如果运用得当；可以收到良好的艺术效果。

（电影印制） 印制是完成一部电影的最后阶段。
电影摄影机拍出来的底片上的影像，是和人们平常照相的底片一样，是一种“负像”，所以要使它作为放映影片，还必须进行—一系列的加工。它的加工过程是：洗印车间的工作人员，首先把电影摄影机拍摄下来的底片洗印成正片，叫做“毛片”，再把“毛片”根据要求经过挑选，剪接，使它在情节、动作上都连接起来，称之为·样片”。再把这条无声的影片和另一条录有对白，音响效果的片子结合起来，称为双片。再经过套底、配光、印片、冲洗出来的片子称为“校正拷贝”。把“校正拷贝”的不足地方，再进行调整，洗印出来的就叫做“标准拷贝”。最后再复制正式上映的拷贝。
（电影种类) 电影的种类很多，但基本上可分为三大片种，即艺术片(故事片)，科教片、纪录片。
(一)艺术片(故事片)：艺术片一般称为故事片。印制的拷贝最多，发行量最大，观众最广。它包括各种题材的故事片：如惊险片、舞台艺术片、科学幻想片，美术片等。这些影片有的取材于现实生活，有的反映历史，有的描写神话或幻想等。它经过集中概括等艺术手法，塑造人物，组织结构、提炼情节，表达一定的主题思想。
(二)科学教育片：简称科教片。它是把深刻的科学内容和鲜明的艺术形象相结合的影片，是传播科学技术，推广技术经验的有力工具，深受广大人民群众特别是科技人员的欢迎。
(三)纪录片，一般称为“新闻纪录片”。它的用途十分广泛，除了用于拍摄《新闻简报》，《世界见闻》等影片之外，还用于访问性的和风光景物的纪录，或者拍摄戏曲，歌舞，杂技等舞台上的演出。它还能作为历史资料而保留和陡用，为其它影片的摄制提供参考资料。
（外国片的译制) 翻译片，就是将已拍好的影片，用另一种语言录制一条声带，然后与画面配合在一起。为了保证画面和声带的充分统一，要做到新录音片各段对白的长度．必须与原来声带长度相等。在翻译语言的技术上，要吻合演员所处的环境，在艺术—卜要与扮演的角色相吻合，在感情上要与情节相吻合。要保证特写镜头与原片相同，特别是演员的嘴唇能清晰可见。
在通常的情况下，一部翻译片的制作，要经过以下几个阶段：
(一)剧本翻译：一部影片的译制，首先要将原影片的剧本翻译成中文。翻译时必须保持原来剧本的主题思想，人物和情节的一致。
(二)研究剧本：剧本翻出来之后，译制组的工作人员要分析研究电影的主题思想，人物性格和剧本情节。只有对剧本有深刻的理解和细心的领会，才能在配音时保持原有影片的思想性和艺术性。
(三)反复排练：排演工作开始后，配音员要反复地观看影片来练习配音的话语和口形。排练时要把整部影片分成许多小段，然后循环放映，进行练习。
(四)实录阶段：排练工作结束后，译制工作进入了“实录阶段”。工作室里放映着原版影片，配音演员对准影片演员的口形，开始用中国语进行对白。这时，录音室里的工作人员操纵录音车，把配音演员的声音，通过录音机，收到声带胶片上去。
(五)声画检查：录好了的声带片，再用“声画编辑机”来检查收录的声音是否和影片上演员的口型对准，以便于改正。同时，还要用机器来校对底片，认真细致地检查。这样，对白录音的阶段才算完成了。
(六)全成录音：校对后的声带，再通过录音机进行“全成录音”。它是把配好的中国语和原片录音配合在一起，也叫做“混合录音”。
(七)印制拷贝：全成录音结束后，便将有中国语的声带和原来影片上所录的音响效果的声带，送到洗印车间套印到原片的底片上去。这样就可以大量洗印拷贝，供应放映单位使用。
（电影的“意识流”手法) 二十世纪五十年代初，法国和意大利先后山现了“新现实主义”和“新浪潮”影片。这些影片，在结构方式上摆脱了旧戏剧结构的框子，为按照电影特有的方式来结构影片，做了大胆的尝试，带来了电影叙述手法的革新。
用“意识流”手法拍摄的影片，不是按照情节的发展和生活逻辑去叙述故事，而是按照人物的情感，他们意识中的闪念和回忆来结构剧情，叙述故事，这种影片打破了生活叙事的逻辑，用这样结构手法拍摄的影片；在国际上称为“意识流”派。
电 影 特 技
(快动作) 银幕上经常出现—些很快的动作，例如，乌云的翻滚，澎湃的波涛，车辆的飞驰，人的快速行走，动物的奔跑，甚至一朵鲜花会在瞬间开放……这些镜头是采取慢进拍摄的。
一部影片是由许多镜头组成的。它的每个“镜头”，都要摄影机连续拍摄一段胶片，在这段胶片上连贯的人物的动作，被纪录成一格格的画幅。自从有声电影诞生以来，摄影和放映频率都为每秒钟24格，如果二者的频率相吻合，电影中人物的动作；就和我们日常生活中所见人的动作完全一样。攻口果摄影师采用僻低摄影频率的方法(即慢摄法)，每秒钟只拍摄2—3格，镜头的长度就缩短了，这样拍摄出来的影片，如果仍然以每秒钟24格的速度
放映，银幕上表现出来的动作就快了。这样的镜头就叫做“快镜头”。
（慢动作） 在银幕上经常可以看到这样的情景：跳水队员从跳台上缓缓跳起，慢悠悠地潜入水中，飘然如仙，优美动人；体操运动员翩翩而来，从木马上徐徐掠过，轻似浮云、身如矫燕。这是由于采取快速摄影的结果．撂影机以每秒钟拍80格，而放映机仍以每秒钟24格的速度进行放映时，在银幕上就会出现慢动作，这就是“慢镜头”。
(定格) 影片中人物的动作或表情，是通过一系列固定的胶片画格上的连续运动来完成的，如果导演根据情节需要选取其中的某一格，加印到所需要的长度，然后按正常速度放映，在银幕上就表现为呆照，即人物的动作或表情完全处于停顿状态。这就叫做“定格”。
（多画面） 多画面，也称为银幕切割。它是通过两次或多次曝光，使两个或两个以上的独立画面同时出现的一种技巧。它一般用于表现人物的思索、想象、回忆，或处于梦境时的思想状态；有时也用来交代事物发展的过程。它是电影艺术的一种独特表现形式，这种方法运用得当，可以渲染气氛，表达人物的心情，产生良好的艺术效果。例如，香港彩色故事影片《巴士奇遇结良缘》中，就是运用这种手法。在这个电影中有一个画面是—分为四：一个是阿义给孩子喂牛奶；一个是阿义给坐月子的爱人送饭菜；另一个是阿义在洗尿布；还有一个是阿义在炒菜做饭。四个画面强烈地渲染了阿义在生活重压之下，忙得喘不过气来的情景。这种特技，在其它影片中也经常出现。
（倒拍） 倒拍是法国早期电影大师梅里爱首先使用的。半个多世纪以采，它随着电影艺术的发展逐步完善起来，直到今天它仍然充满着青春活力，发挥着独特的作用。例如，在电影里要表现—辆汽车撞人的惊险场面，可以使用“倒拍”的方法进行拍摄。这种方法是首先让被撞的演员倒在汽车、轮下，然后让汽车猛然倒开，演员同时做被撞时的相反动作，这样拍下来的影片，放映出来就成为汽车疾驰过来把人撞倒的惊险镜头了。再如，表现用短剑刺敌人的场面，也是采用“倒拍”技巧来解决的。电影摄影机的马达可以正转，反转，顺拍，倒拍。倒拍时，一柄短剑预先插在衬有垫料的演员上，让他慢慢地从地上起身，到适当位置时，有人将系在短剑柄士的尼龙细绳用力一拉，短剑立即飞离背部。放映时，短剑直刺敌人背上的惊险镜头就出现了。
从二十世纪三十年代开始，国外拍摄很多描写侠客的影片，银幕中常有飞檐走壁，越背穿房的镜头，这也是用“倒拍”的方法来完成的。
（分身术） 一个演员扮演两个或者更多角色的特技镜头，是最能引人入胜的。如果要使一个演员扮演两个角色并同时出现在一个镜头上，那就要采用“分身术”。这是采用一种“停摄法”，然后通过两次曝光或更多次曝光合成的。
在故事片《野火春风斗古城》中，有这样一个镜头：姐姐金环与妹妹银环两人面对面地谈话。她们是由一个演员扮演的，这个镜头是用“同期合成法”拍摄的。拍摄时，首先在摄影机和镜头前架设一个木框，这个木框长与宽的比例恰好是电影画面的比例。然后用极锋利的刀子，将一张黑卡片(称做遮片)截成两块，拼好镶在木框上，再取下左边的一块，进行第一次曝光，这时演员先化装成姐姐，在左侧演戏，和妹妹谈话。右边的妹妹可以找一个替身演员和姐姐攀谈，这样做，为的是便于演员之间感情上的交流。因为黑卡片在摄影机镜头前遮挡了右半边，所以演妹妹的替身演员并未摄入镜头。经过第一次曝光后，摄影师将胶片倒回，再把左边那片遮片镶在木框上拼好，取下右边那片遮片，拍摄右边一半画面。演员这时改装成妹妹在右侧演戏，然后再进行第二次曝光，这样就完成了整个拍摄过程。如果影片需要两个角色互相拥抱或扭打在一起，往往采用长得比较相象的替身演员来进行艺术处理。
(换头术) 如果能让观众同时看到一个演员捞演两个角色的正面又能互相接触，其艺术效果就会更好。为了达到—上述艺术效果，摄影师们采用了“换头术”的办法进行拍蔗。其拍摄方法是，演员饰甲正面站立着，替身饰乙也正面站立着，两个人可以做一些拉拉手之类幅度不大的动作，但：是头部的动作要求越少越好，脚步更要站稳。然后用一小块圆形黑卡片，在镜头前把替身乙的头部区域遮挡好，这样第一次拍摄下来的胶片，乙的头部是没有
曝光的。然后把胶片倒转回来，用黑卡片将整个画面遮住，只挖一个圆洞留出乙的头部区域来，这时，、甲站到乙的位置上，将甲的头部正面用第二次曝光补上，这就叫做“换头术”。如童话片《马兰花》中的大兰和小兰拉着手同时面向观众的镜头，就是这样拍成的。
（银幕合成) 我们在照相时，往往会遇到这样一种情况：用一张延安宝塔山的幻灯片，打在照相室的背景上，在这张背景前照相的人，虽然身在其他地方，但都可以得到一幅在革命圣地留念的照片，这就叫做幻灯背景。在电影的摄制中，如将幻灯机换成电影放映机，把一张景物放映出来再根据情节进行人物拍摄，这就是银幕合成，也称为背景放映摄影法。
银幕合成是电影中经常使用的一种特技摄影方法。它可以克服现场抢摄不易解决的困难。因此，它在电影中的应用比较广泛，如在影片中，飞机在空中飞行，身后彩霞飘浮，这种背景在现场是不好拍摄的，需要使用银幕合成的方法进行拍摄。又如，有的影片表现群众救火的场面，搭景拍摄，浪费很大，可先拍摄一个模型着火的镜头，放映在银幕上作背景，然后在前景搭起布景的一角，燃起熊熊烈火，演员在中间活动，就可获得气氛浓烈的火灾场面。
（模型摄影） 模型摄影是电影特技摄影中的一种，它能起到以假乱真、真假难分的效果。例如，在影片《红楼梦》中，如实地再现了“荣”、“宁”两府的许多馆，楼、轩、台等古建筑群，十分逼真，生动，使人们为之称赞。原来这些都是在摄影棚里搭建起来的部分布景来进行拍摄的。这些布景搭得并不算太高，而且全部没有顶。那些巍巍高耸的屋顶，也只是—张张与半版报纸大小的彩色照片。这种特技方法并不复杂，只要在棚内拍摄演员唱作的同时，用一张黑卡片剪成适当的形状(特技术语称为“马斯克”)，置于摄影机镜头的前面，遮住画面的上半部，留下有演员活动的下半部，这是第一次拍摄。将已拍摄的演员活动的画面下半部分，用黑卡片遮挡住，再选好一张大屋顶的彩色照片，进行第二次拍摄，然后把两次拍摄进行合成，就成为一个完整的画面。在故事片《江姐》中，有个空镜头是描写解放前的”中美合作所”所在地，特技工作者就在摄影棚里搭建了一个只有两张乒乓球桌。那么，
大的模型，那“碉堡”林立，“关卡”森严，“白公馆’、“渣滓洞”历历在目，如果再放出一层二氧化碳气体形成的“浓雾”，就会产生出强烈的艺术效果。
(七十二变) 传说中的孙悟空，神通广大，能“七十二变”。在戏曲艺术片《孙悟空三打白骨精》中，我们目睹了孙悟空的这种本领。例如；孙悟空眼睛一眨就变成金蟾大仙，这也是特技拍摄的。孙悟空变成金蟾大仙，是通过两次曝光溶化的方法拍摄而成的。拍摄孙悟空时，首先是拍摄孙悟空穿上女装，左顾右盼地戏耍；当演到孙悟空眨动火眼金睛时，摄影师扭动开关，使摄影机内遮光器逐渐缩小，以至完全关闭。然后，将已经拍摄的一段胶片，倒回到原来尺寸再拍，由扮演金蟾大仙的演员，站在孙悟空的地位上继续表演，这时摄影机内的遮光器逐渐放大，这样重叠拍摄的结果，孙悟空就变成了金蟾大仙了。
还可以用“停机再拍”的方法，表现“隐身术”。例如，在拍摄一段戏的中途，突然停止摄影机，等演员离开布景后进行拍摄。这样拍下来的人物动作，当放映机连续放映时，观众就会在银幕上看到在瞬间内角色遁隐无踪。这种方法也可以表现追赶场面；在同一镜头中，眼看伸手就擒；却使逃窜者隐去。如白骨精的潜遁，就是利用这种方法处理的。
孙悟空手掌上的许多小猴的镜头，是利用“透视合成”的方法进御削聂的．即扮演孙悟空的演员，站在摄影机前表演，在远处搭一高台，台面与孙悟空的手掌取同一水平线，由于演员就在这个高台上表演+距离摄影机很远，与孙悟空相比，既显得特别小，又象在孙悟空手掌上一样。
小猴子又变大的镜头，是让小演员们蹲在移动车上，对准摄影机急速地推进，而移动车却隐蔽在摄影机视线以外，这种移动摄影的方法观众在银幕上看到的却是小猴子突然变大了。
（高空下坠) 在电影中，我们经常看到两个人在很高的屋顶上互相追逐，搏斗。屋顶是倾斜的，一不小心就会滑下来，造成伤亡事故；其实；我们所见的高楼，在摄影棚里不过是离地面只有几尺高的屋顶布景，演员在它的上面演戏，根本就不必担心安全问题。
有的演员表演从屋顶上滚下来的场面，那是在下面张了一块大布，人跌在布上，一点也不会受伤。
还有这样的戏：两人在高楼顶上搏斗，有一个人从高楼上被推下来，跌死在路旁，惨不忍睹。这是摄影师先拍两个人在楼上扭打和一人被推向楼外的镜头。接着拍一座高楼的外景，从凌空的楼顶上推一个假人(穿同样服装的塑料人体模型)，然后拍一个躺在地上装成摔下来受了重伤的演员的“近景”或“全景”。这几个镜头接起来就成了一个完整的画面。
（悬崖跳水) 故事片《女跳水队员》中，有一个镜头是陈晓红从悬崖上跳到水中救小孩的特技镜头，这是运用“后期合成”的方法拍摄的。这种拍摄方法，能使在不同地点、时间的景物综合在一个镜头里。陈晓红从石岩跳下去的镜头是这样拍摄的：首先是拍她在游泳池高台跳水的镜头，但跳台却被摄影机86的一块黑色挡板遮住，不能曝光。然后，反过来挡住平台跳水部分的在实地拍摄高山延伸出来的石岩突出部分(并使其与跳台一致)，进行第二次曝光。这样，前面山岩的全景和跳入水中的画面前后连贯起来在银幕上出观时，观众认为陈晓红真的从万丈悬崖上跳进水里。
(水中倒影) 拍水中倒影有以下三种方法：
(一)直接用摄影机拍摄水中的倒影。方法是先将墨汁放进水里，增强水的反射光，以使倒影达到曝光的要求。虽然如此，这样拍摄，也由于景—物和人物与倒影的亮度相差很远，不能达到理想的效果。
(二)模型倒影。方法是，将模型放到一块相应大的玻璃镜上，玻璃镜的边缘用水泥筑成一条约一寸高的水堤，然后灌上半寸左右的清水，拍摄时，用电风扇吹风，以卷起微微的波纹。从而获得十分生动的水中倒影的奴果。
(三)仰拍倒影。方法是用一块桌面大的厚玻璃，四周筑上—寸高的小堤，再注入半寸左右的清水，用手或电风扇掀动水波。这时摄影机放在玻璃下面，透过这层含水玻璃，进行仰拍，倒影效果更为逼真。但拍摄时，必须使一切真实景物，演员的位置的左右方向故意反置，才能形成倒影。
(两车相撞) 两辆好端端的汽车在奔驶中相撞起火；一列飞驶的火车越出铁轨栽入桥下……，这些惊险的镜头，都是利用模型来拍摄的特技效果。
例如汽车相撞，是先做好两辆与真汽车一模一样的汽车模型，再用泥土堆成故事情节中特定的山和路等环境，山的高低、路的宽窄，都与汽车模型成适当的比例。拍摄时，用细得几乎看不出来的尼龙丝牵引汽车模型前进，在预计相撞的地方事先埋好炸药，以便在两“车”相撞的一刹那间爆炸，造成火光冲天，碎块乱飞的景象。拍摄后，再配上汽车发动机的隆隆声、相撞声，车上人的惨叫声等音响，效果就十分逼真了。
（奇异的小圆圈） 银幕上经常出现一些奇异的小圆圈，五光十色，非常美丽。这是在拍摄外景时，当摄影机对着太阳逆光拍摄或者镜头上吃到光以后，出现的现象。特别是在使用变焦距镜头摇摄时，由于变焦距镜头是由一块块大小不同的凹凸棱镜镜片组成的，而每一块小镜片能产生一个小圆圈，所以，在画面中出现了一串串小圆圈的现象。当太阳光通过棱镜时，可以分解成红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种颜色的光，而镜头是由透明玻璃材料磨光做成的，也就像棱镜一样，因此这些小圆圈也就带上了各种美丽的色彩。特别是当镜头对着太阳拍摄时，在太阳周围还可以形成—个大的光晕，十分美观；以上这些现象，是自然地、无意识形成的。有时，摄影师也有意识的造成这样的效果。
（七仙女下凡） 人物从天上飞来的拍摄方法有两种：一种是背景放映法，另一种是用模型和演员搭配的方法。《天仙配》中的七仙女下凡是采用后一种方法，在拍摄过程中前后共分五个镜头进行的：第一个镜头是“远景”。在拍摄的时候，先斜拉一根钢丝，然后把七仙女的模型挂在钢丝下面，悬在半空往下拉；用背景配合；第二个镜头是“近景”。演员表演着和模型同样姿式，拍摄的时候，演员并不动，云雾却很快地向后移动；第三十镜头是“半身远景”；当仙女模型滑下去时，演员从事先准备好的斜板往下走；第四个镜头又是半身“远景”；第五个镜头是池塘里的倒影，也是用模型做的；这样，经过剪接后，七仙女真的从天上来到人间了。
（眼神光) 眼神光，是眼睛对光源的反射，也是电影照明艺术刻划人物精神面貌不可缺少的一种手段。在电影上，—·般是通过人物正面补助光来得到眼神光的效果。如果剧本提出了特定情绪，或人物外形有某些局限性，则可以在摄影机旁另放…盏小灯，或通过一种专门为打出眼神)亡而安装在摄影机上的特制小灯来加以运用。
(雪景的拍摄) 拍摄雪景有两种方法，一种是拍摄大自然的雪景；另一种足假的，夏天也完全可以拍出雪景。例如，故事片《祝福》中，那里面的鹅毛大雪就是用一种名叫通草的东西做的，用筛子在摄影棚6上方慢慢地筛下来，这样就出现了满天大雪纷飞的情景。自1970年以后，用塑料泡沫代替通草，在电影中称它为米波罗。因为米波罗太轻，当拍摄演员走在雪地上时，一般用化肥尿素，远景还可以用石灰。
至于墙头上、房檐上厚厚的积雪，是用卫生棉做成的。拍摄近景还可再加上点精盐或米波罗，那就更能达到真实的效果。
过去，表现树挂雪花都是在树枝上涂水胶，然后再筛上米波罗。现在改用液体泡沫塑料往树枝上喷，就得出应有的艺术效果。电影中的冰凌是用白蜡或玻璃制成的。窗户上的冰花过去是用棉花蘸浆糊涂在玻璃上而做成的，现在是用定影液，即海波化成溶液，再蘸在玻璃上，等结晶以后就象真的冰花一样。
（黄河决堤） “黄河决堤”的拍摄方法是：首先建造一个容积较大的蓄水池。然后开闸放大水，让“洪水”冲垮堤坝，房屋模型，从而造成了我们在银幕上看到的洪水成灾的情景。
这种窑积较大的凿水池，是专为拍摄电影特技镜头用的。为了使“洪水”有汹涌之势就要提高水位，—般最少要有8米落差，才能造成“洪水”奔腾咆哮的效果。影片《大河奔流》中所用的蓄水池，就是利用一个小土岗的自然地形，把蓄水池建在上面，用水泵抽满水。这个蓄水池能蓄水一千吨，当它开闸之后，水顺着水道倾泻而来，就很自然地把布景区的模型房屋，断墙残壁等冲垮。在拍摄时，又降低了摄影机的频率，所以就造成良好的效果。
（风云雷电） 银幕上经常出现风云变幻，雷电大作，它的拍摄方法有以下几种：
(一)乌云的拍摄有真有假：第一，多数是利用阴天的乌云，按每秒钟12格的速度逐格拍摄，这样在放映时便产生乌云翻滚的效果。第二，用特技摄制方法：有的把云画在纸上进行拍摄，或用棉花依照云的样式粘在玻璃上，移动玻璃，进行拍摄；也有用玻璃箱灌入清水，然后把调好的颜料装在胶皮管里，滴入水中，会产生云的效果。还有的在玻璃上画上云的样
子，后面放射炭精灯，移动玻璃或炭精灯也能产生云彩移动的效果。
(二)闪电的拍摄：因为拍摄大自然的闪电很难，所以，在电影中大多数是用白颜色画在玻璃上，这样连续画下去，中间还要画1、2格白色曲线算是强光，然后连续不停逐格拍摄下来，这样就产生了闪电的效果。有的也用锡纸或涂上银粉的细铝丝来代替闪电；也有的在拍摄后期与大自然天空合成的。
(三)风、雨的拍摄：电影中的风主要是利用电风扇，鼓风机，或用飞机开动的螺旋桨煽动气流。例如，七仙女从天而降的衣服飘动是用电扇《老兵新传》中，狂风吹动千里麦浪是用的飞机开动螺旋桨来实现的。
电影中的雨的拍摄，也是利用人工制造的喷水机械设备来实现的，有时为了取得狂风暴雨的效果，可以再加上小型吹风机。摄影师们为了拍摄出更加逼真的效果，还在摄影机移动车上安装固定的“下雨”装置，无论摄影机移动到那里，都可以摄入镜头之中。
当然在有条件的情况下，或者在特殊需要的时候，也可以拍摄自然景色。至于雷声，可以用特制的音响鼓进行捶击，或者从音响档案中选用即可。
(空中激战) 在银幕上经常出现一些空战的场面。如机群飞过，投弹，俯冲，坠毁等，都是利用特技摄影来完成的。
(一)大队飞机从天空掠过：一种方法是把飞机模型吊在最细的钢丝上，根据飞机飞行时经过镜头不同的位置来决定飞行方法。例如，面对观众冲下来经过镜头时，一般采用摄影机放在移动车上，迎着飞机推上去，就产生飞机冲下来的效果。如果飞机远去或横飞时，只要改变移动车推进的方向就可以了。另一种方法是：把机型拴好，不动背景，放上烟幕，将摄影机固定在起重机上，使超重机上下起落，也会产生飞行效果。
(二)飞机高空投弹：一般利用飞机模型，根据需要的位置，如要见到机翅，就将机翅放在镜头前，炸弹模型要预先放在机翅内部，装上一个弹门。拍摄时，嚼弹门拉开，炸弹一个接一个地投下来。
(三)俯冲投弹：是用一根斜放着的最细钢丝，把飞机模型勾在钢丝的上端，把炸弹放在机翅内(如上述)。开拍时，使飞机从钢丝上端滑下，接近镜头时，拉开弹门，便能投下炸弹了。
(四)敌机中弹燃烧坠毁：飞机的飞行方法如上所述，另外用竹竿拴在钢丝下端，当敌机被击中要坠落时，可摇动竹竿就会产生摇晃欲坠的感觉，飞机顺着钢丝滑入镜头前时，将预先放好的易燃油物，立刻点燃，浓烟四起，飞机往下坠落。
这样，拍摄出来的镜头，再加上音响效果的配合，演员的精彩表演，便十分逼真，生动、感人，产生巨大的艺术效果。
(炮战与坦克战) 银幕上经常有大批坦克向前冲锋，大炮不停地射击，高射炮连续轰击敌机等镜头。这些镜头的拍摄，有的是真的，有的是从纪录片上剪下来的，但大量的是用特技拍摄的。
(一)坦克发炮：首先在坦克的炮口上放上炸药，用电来控制，用牵引的办法使坦克前进。当坦克进行到需要发炮时，一按电钮，坦克便产生发，炮的效果。至于坦克被击中起火，是事先把坦克模型布置好，然后在坦克被烧之处，放上燃料用铁皮包好，实拍时也是用牵引的方法使坦克前进，到需要处一按电钮立即起火。
(二)炮战的大炮射击：有的用大炮的照片加上炮火声响效果，逐格拍摄；有的用真的大炮，用逐格拍摄的方法并加炮火声响效果。另外一种是：全用大炮模型拍摄，事先在大炮模型的后边，安装上后拉机关，并同开炮声响效果连接在一起，当开火时，炮身一后座就自动接上电广产生一个接一个的连续发射的效果。至于炸弹的发射的拍摄方法，则与上述坦克发炮一样。
（海上激战） 要拍摄海战，首先要制作模型。例如，《甲午风云》中的模型是根据清代中、日军舰有关资料里提及的、舰型、外部特征和吨位大小，按比例缩小，然后用木料和铁皮照图制做的。海战的镜头也不是完全在大海里拍摄的。在影片中，有一个在刘公岛军港务舰升火待发的镜头，就是在湖边拍的。拍摄前首先把每个模型舰只根据镜头角度的需要，抛锚固定在合适的位置上，然后在岸边适当的位置搭制一个港口的小布置，拍摄时在模型军舰的烟筒里点燃一个小小的烟幕剂。在天水相映之下，一缕缕浓烟从各自的烟筒中涌出，于是北洋水师舰队升火待发的场景就逼真地层现在观众面前了。
拍摄硝烟弥漫；炮火连天的壮烈场面也不复杂，如军舰中弹起火，是在模型船上按需要在适当位置土放些精萘(一种烟幕剂)浸满汽油的破布等易燃晶和炸药包(水中爆炸也是事先在水中放炸药包)，拍摄时在岸上一按开关，炸药包就爆炸了。这时模型船上冲起爆炸的烈焰，水中也爆起高高的水柱。船上的爆炸又将精萘粉和油浸的破布点燃，远景再配合滚滚而起的烟幕。这样，人物实景和模型摄影经过组接，便造成了特殊效果。
(战火弥漫) 在战斗故事中一些炮火连天的惊心动魄的战斗场面，也是用的特技方法拍摄的。
在电影制片厂里设有一个专为制造这些特种效果的部门；在需要拍摄一部陆地作战的电影时，工作．人员根据导演指定的位置，挖些很小的土坑，安放上爆炸力较小的安全炸药，接上电线，盖上约半米厚的松干土。导演一声令下，演员上阵，电钮一按，立即就会炮火连天，拍下这样的镜头，一个惊心动魄的战斗场面就会展现在观众的面前。由于使用的是安全炸药，所以尽管演员在爆炸地区附近也是毫无危险的。
炮弹在水上爆炸的效果，其做法和上述方法大致相同，只是把炸药包好，涂上一层白蜡，放在水底，同样也是利用电钮来操纵的。
子弹打在人身上，出现一个或几个小窟窿，随即冒出一股鲜血，电是用特技方法来实现的。．例如，要表现一颗子弹打在胸脯上，特技师就用一种爆炸力极低的小型雷管(或称小花爆)，贴在演员外衣里面的保护背心上，用干电池通过细电线操纵，就能在演员的胸前引起小爆炸，把外衣烧成一个或几个小窟窿。由于雷管爆力极低，再加上有保护背心，所以演员不会受伤。至于鲜血外流，是当演员捂住伤口时，衣服里的化妆血液被挤了出来，顺着指缝流。
（鲜花怒放） 银幕上的花朵(或者其它生长作物)开放，是摄影师采用了一种叫做“延时摄影”的特殊摄影方法拍成的。
电影摄影一般是连续拍摄的，但也可以间歇拍摄。例如，每隔几分钟或几小时拍一格画面，放映时仍然按每秒钟24个画格，这样可以使原来物体的缓慢运动过程，在银幕上看来只是暂短的一瞬间，这种方法叫做“延时摄影”。延时摄影时，必须做好精确的计算，例如：花朵开放历时一昼夜，而要它在银幕上表现为两秒钟，就需要拍48个画格。这种拍摄方法，是利用自动延时控制装置，摄影师只需要事先将摄影机，照明灯与被摄的物体等布置就绪，并在控制仪器上规定间隔时间，一切就都由它自行拍摄了。
(海底世界) 我们在银幕上可以看到海底世界。那起伏不断的岩石屹立不动，鱼儿在游弋，奇异的花草在飘动……奇妙壮丽，千姿百态。它往往是用特技拍摄的。
拍摄海底的镜头，有两种方法：一种是真的，就是在实地拍摄；另一种是利用模型和特技摄影拍下来的。除了特殊需要之外(例如在科学上研究海洋现象等)，一般故事片采用第二种方法。这里把这两种拍摄方法介绍如下：
海底实地摄影，如果在浅水的地方，摄影师只要戴上潜水面具、或穿上潜水衣，携带一具装有防水设备的摄影机，就可以拍摄了。如果需要在深水的地方摄影，摄影师和摄影机装在一个持制的潜水箱里，箱身装有玻璃窗，可以隔着窗子往外摄影。潜水箱顶上没有吊索，摄影完毕，拉动吊索就可以升出海面。潜水箱内要有换气、电话和灯光设备，因为海水愈深光线愈暗，没有光线是不能摄影的。海底实地摄影是一件非常艰巨的工作。
另一种方法是用一种象大商店的橱窗玻璃做成的夹层，在夹层内放上水和海中之物，演员在玻璃后面活动，摄影机在玻璃前面拍，透过有水的玻璃夹层看到那一边的人物，就同在水里一样。永泡上升、人物下水和浮出水面的镜头都是假的，并且是一次拍成的。
（腾云驾雾的拖拉机） 在《儿子、孙子和种子》的影片中，我们可以看到生产队长丁志富和儿子驾驶拖拉机在空中飞行的特技镜头。这是采用：“纳光活动遮片摄影工艺”来拍摄的。
在摄影棚里，设计人员搭了一个木架子，拖拉机就架空固定在上面，演员坐在拖拉机上表演，人物和拖拉机用普通灯光照明，背景是用纳光灯照亮的天片，拖拉机前面放置了一块遮去木架的小天片，这样，从拍摄角度看，四周都是纳光照明的天片，只有演员悬空在开拖拉机。然后再用分光镜摄影机来拍摄，该机有两个暗匣，分别装两种胶片，分光摄影机中的特制棱镜装有镀错钕干涉滤光膜的反光镜，它能使一条胶片只对普通照明的演员和拖拉机感光，而另一条胶片只对纳光照明的天片感光，两条片子同时运行，但互不干扰。把拍摄背景的片子通过反转冲洗．得到和原底人物始终一致的黑色剪影般的活动遮片，把这条片子叠在原底前面，就可以叠印出任何选定的背景材料(如云彩等)，经洗印后就产生了一个合成画 面：人物在驾驶拖拉机，背景树梢急速向后移动，在银幕上表现的却是腾驾雾的拖拉机。
(奇妙的字幕) 最普通的字幕，是用白纸写上黑字，按着要求的长度进行拍摄。但是很多字幕是用特殊方法拍摄的。一般有各种图案衬底的字幕，是在画好的衬底上放一块玻璃，在玻璃上写好字，然后一齐拍摄下来。但是有背景的衬物比例与字幕的比例，需要特殊安排时，就要用两次拍摄的方法。即先拍摄衬底，然后再拍字幕，这样，冲洗出来的底片，字幕与衬底就拍在一起了。有些活动的线画及活动的字幕，如银幕上出现一个能移动的箭头或好象有一支流利的笔写出的字幕，都是采取倒拍的方法一格一格拍摄的。这是因为正拍颜色、技巧都不好掌握，而倒拍不仅拍时容易，还可以更好地达到预期的效果。
影片字幕的设计也是一种艺术。如《抓壮了》片名的设计，就独出心裁，引人入胜。你看那个“抓”字，多么“凶狠”，“壮丁’见了它就象见了瘟神一样，急忙逃命。但“抓”字却伸出它那长长的”魔爪”，紧紧追赶，硬把“壮丁”抓回，十分形象。
(化装术) 电影是视觉艺术。它除了艺术的真实性外，还要求人物形象、景物、道具、服装、效果等，都必须忠实于生活的真实，这与我国传统戏中生、旦、净，末，丑的脸谱和某些景物，道具的虚拟是不同的。
电影中的人物形象要完全菏合电影剧本和导演所规定的那样，装啥象啥，相貌逼真，这在实际生活中是很难做到的；必须进行化装。电影化装工作是非常仔细的，稍有疏忽，在银幕上便看得清清楚楚：因此电影需要高超的化妆木。比如，有的演员需要长胡子，那么，就要在演员脸上要装胡子的地方涂一层用醋酸乙醋、甘油松香、酒精等配成的特殊胶水，然后再用一支大的秃头毛笔蘸一点细牛毛粘上去就行了。在拍完镜头后，只要用棉花蘸点酒精一擦，那些假胡子就掉落了。有的演员头发稀疏或者秃顶，可是要扮演长满头发的角色，就得让演员戴上专门编织的假头发套。反之，如果用泡沫橡胶制成秃顶的假发套戴在头发长得很丰盛的演员头上，就成为秃头了。再如，牙齿缺落，在牙齿上贴一小块黑色胶布即可；出汗，用毛笔蘸一点甘油或蜂蜜涂在前额，鼻尖、两颊处，就能产生出大汗淋漓的效果：流泪，在眼睛里滴入少量硼酸水，便成了“噙着泪水”的情景；嘴唇干裂，只要在嘴唇上贴3—4层糯米纸，干后，糯米纸裂开并翘了起来，看上去非常逼真；出血，把红色的油彩跟卸装油调合在一起，涂在皮肤上，看上去犹如出血，吐血，在蜂蜜中调入红色食用染料，就成为一种粘稠的红色液体。当演员从口中把它吐出来，好似咯血。中国演员扮演外国人需要高鼻子时，只要在演员的鼻子上涂上富有塑性的鼻油灰，高鼻子就化妆成了。
这些化装方法看起来虽然很简单，但经过精心处理后，人物在银幕上出现时，再借助于气氛的衬托，观众就会感到人物形象同真的一样。
（画外音) 我们在看电影时，经常听到一种不是画中的人物(包括自然现象)直接说出来的话，而是来自画面外的声音，统称为“画外音”。它是故事影片的一种表现手段，主要是为了丰富画面的内容相增强艺术的感染力。
一般常见的画外音有两种形式，一种是旁白，一种是内心独自。
旁白是一种说明性的画外音。有时，它是作者的直接叙述，概括说明故事发生的社会环境和时代背景，或对人物、事件表明态度。如《闪闪的红星》中，用冬子成年后雄浑有力的声音作为旁白，十分清楚地交代了第一次国内革命战争时期的历史背景，把主人公的命运和环境紧密地联系起来，深化了影片的主题思想；还有一种旁白，是剧中人物以自述的口吻回忆过去，如故事片《海霞》中，海霞回忆自己的童年。同时，旁白还有一种转换镜头的作用，既能承上启下，又能收到较好的艺术效果。
所谓独白，是当剧中人物出现在画面上沉思的时候，用人物自己的或者第三者的画外音，来表明人物此时的想象、幻想、回忆等心理活动，称它为内心独自，它是指示人物内心世界的一种表现手段。例如，日本故事影片《生死恋》，对画外音有三种处理形式。一种是贯串全剧的大宫自述，在情节发展的每一段落，画龙点睛地讲述他同夏子恋爱的发展过程。在这里画外音的作用主要是解释性的；第二种是阅读信件时主观想象中的对方的声音，
如大宫在家里看信以及仰躺在船上回味信的内容时，画面上出现夏子的画外音；第三种是影片中用得最多也是最重要的形式，就是大宫和夏子的心声，有力地揭示了他们相爱，以及生死离别的心理活动过程。
（声音的妙用) 声音在电影中是很重要的。生动的对白，能充分表达人物的思想感情，美妙雄壮的音乐、音响在烘托气氛，连接故事情节的发展等方面起很大作用，对观众的感染力是很大的。
电影中的声音，一般包括对话，音乐和音响效果三个因素，它极大地丰富了电影艺术的语言，是组成精美的电影艺术晶中不可缺少的部分。
　　 电影的音响效果是一件富有创造性的工作，它的要求是十分复杂而又细致的。例如，故事片《傲蕾·一兰》中，在音响效果上既有土枪，土炮声，张弓、射箭声，沉重的铁镣声，又有马蹄奔驰在雪地、草地，平地的声音，还有狗叫，苏俄东正教教堂的钟声等。这些音响是从哪里来的呢?一种是从各种发声的物体和动物直接录下来的。这些可以随时在音响的“档案”里找到，例如，自然类、动物类，军事类，交通类等音响，而在每一类中，又名目繁多，各式各样，如自然类中就包括风，雨、雷电声，海浪、溪水声等，动物类中光是鸟声就有布谷鸟，画眉，喜鹊，黄莺，啄木鸟、斑鸠、鹦鹉等。另一种是采用“拟音”的方法录下来的。制片厂里设有音响道具室，里面陈列着杯、碗、刀、剑、打字机，甚至有铁皮，碎玻璃．一扇扇没有安装的门窗等，这些东西能创造出一些声音来。如故事片《大刀记》中，山洪暴发的轰鸣声，就是用两张白杨三夹板，拿在手中发出晃动的声音模拟而成的。在故事片《沙漠驼铃》中的“黑风袭击”就是采用变速器降速录音的方法来解决的。
（道具和服装) 道具和服装是电影艺术的重要组成部分，它的作用主要是突出主题思想，加深人物刻划，开拓情感的宽度和深度，如果运用得好，可以增强艺术效果。电影艺术对于道具和服装要求很严，必须真实，使它既富有鲜明的民族特色，又具有时代感。
道具有真有假，往往假的较多，例如，故事片《李四光》，《大河奔流》中的一些西式糕点，中式饭菜是假的，这些道具食品，解决了拍摄筵席场面时接戏的困难。服装一般都是真实的，而且要求严格，不能穿错，否则，就达不到刻划人物性格的作用。老导演沈浮，在三十年前，拍摄《万家灯火》时，那个破烂不堪的铺盖卷，就是从破烂市上买来的。这是表现时代的真实性不可缺少的东西。